音乐知识(配音学知识)

1、什么是音乐？

这是一个见仁见智的问题，说法很多。笔者认为音乐是一种声音艺术而非视觉或其它什么感觉的艺术。把乐音（有时也适当使用噪音）按一定的规律组织起来，使人听之产生美感，这种艺术就叫音乐。



2、 什么叫噪音？什么叫乐音？

声带、琴弦、木头板、马达等物体振动时会发出声波，声波通过空气传播进入我们的耳朵，就使我们听到了声音。声音有噪音和乐音之分：振动无规律的声音，如木头板声、马达声等，叫噪音；振动有规律，如人声带发出的歌声，由琴弦发出的琴音等，叫乐音。音乐中所用的音主要是乐音。



3、什么叫音高？

乐音听起来有的高，有的低，这就叫音高。音高是由发音物体振动频率的高低决定的，频率高声音就高，频率低声音就低。比如女人唱歌时声带振动频率高，男人唱歌时声带振动频率低，所以男声比女声低。



4、音乐中所用的乐音范围有多大？

音乐中所用乐音的范围从每秒种振动16次的最低音到每秒钟振动4186次的最高音，大约97个。现代最大的钢琴可以奏出其中的88个音，是乐音范围最大的乐器。人唱歌时因受生理限制，所能唱出的乐音仅是乐音范围中的一小部份。



5、什么叫音名？什么叫唱名？

不同音高的乐音，是用C D E F G A G 来表示的，这七个拉丁字母就是乐音的音名，它们一般依次唱成DO RE MI FA SOL LA SI，即唱成简谱的1 2 3 4 5 6 7 ，相当于汉字“多来米发梭拉西”的读音。DO、RE、MI .......是唱曲时乐音的发音，所以叫唱名。



6、什么叫音列？音列是如何分组的？

把上面所说的90几个高低不同的乐音按顺序排列起来，构成一个序列，这个序列就叫音列。音名只有七个，而音列中的音却大大超过这个数量，如何把音名相同而音高不同的音区别开来呢？方法就是分组。人们把音列中的音划分成几个组。把音列中处在中央位置的一组（即钢琴、电子琴等键盘乐器中由中央C开始，向上的七个音）叫小字一组，把比小字一组高一倍、高两倍、高三倍的音分别叫小字二组、小字三组、小字四组。乐音中当然有比小字一组低的音，它们的分组是：比小字一组低一倍的叫小字组，低两倍的叫大字组，低三倍的叫大字一组，低四倍的叫大字二组。这样一来，音列中的分组由低到高的顺序是： 大字二组 大字一组 大字组 小字组 小字一组 小字二组 小字三组 小字四组 乐音的范围音乐术语叫做音域。人声的音域大约是：女声由小字组的f到小字二组的a，男声由大字组的F到小组一组的a。那么，你的音域有多宽呢？有机会时无妨在钢琴上试一试。从你能唱出来的最低的那个音起，到最高的那个音止，这个范围就是你的音域。



7、 哪一个音是标准音？

国际上规定小字一组的a音每秒振动440次，这个音就是标准音。由于音列的各音之间都存在着一定的数量关系，例如比某一音高一倍的音（又叫高一个八度），其频率一定比某音高一倍，比它低一倍的音（又叫低一个八度），其频率一定比某音低一倍，所以规定了标准音的音高，也就等于规定了其它各音的音高。有了这个标准，人们在制造乐器时，在奏乐、唱歌时，定音就有了根据。



8、什么叫全音？什么叫半音？

把C D E F G A B 这一组音的距离分成十二个等分，每一个等分叫一个“半音”。两个音之间的距离有两个“半音”的 ，就叫“全音” 。在钢琴、电子琴等键盘乐器上，C-D,D-E,F-G,G-A,A-B,两音之间隔着一个黑键，它们之间的距离就是全音；E－F，B－C，两音之间没有黑键相隔，它们之间的距离就是半音。



9、什么叫自然音？什么叫变化音？

通俗地说，我们唱歌的时候，那些唱成1 2 3 4 5 6 7 的音，叫自然音；那些在它们的左上角加上#号（如#4、#1）或者b号（如b7、b3）的，叫变化音。#叫升记号，表示把音在原来的基础上升高半音；b叫降记号，表示把音在原来的基础上降低半音。



10、什么叫音阶？

把C、D、E、F、G、A、B 等各音中的某一个音作为中心，由它开始由低至高（或由高到低）按顺序排列起来，这个音的序列由于象梯子一样，逐级向上或向下，所以叫音阶。下面的两个序列都是音阶，前者是大音阶，后者是自然小音阶： c d e f g a b c a b c d e f g a



11、什么叫记谱法？

一首曲子一般都包含高低、长短、强弱等要素。把这些要素用各种记号、符号记录在纸面上的方法叫记谱法。古今中外使用过和正在使用中的记谱法是有很多的。拿我国来说，古今使用过的记谱法就有多种。据说早在战国时代，卫灵公手下的音乐师叫师涓的，就能用某种记谱方法记谱了。据文字记载，我国隋唐蔇诰筒斯こ咂住⒓踝制祝ü徘儆茫未钟植怂鬃制住９こ咂准妇乇洌两袢杂忻窦湟杖耸褂谩２还⑾执谖夜褂帽冉掀毡榈氖羌蚱缀臀逑咂祝绕湟允褂眉蚱椎娜俗疃唷４邮澜绶段Ю纯矗褂米钇毡榈氖俏逑咂住?br>


12、什么是简谱？

简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法，读过书的中国人几乎都认识它。这种记谱法的是法国的修道士苏埃蒂1665年提出来的。后来，将它加以改进和积极推广的竟然是法国著名的哲学家、文学家卢梭。由于这种记谱法不方便于记录多声部的、复杂的音乐，在欧洲几乎从未普及过。1882年前后，美国人梅森到日本讲学时把它传入日本，19世纪曾有一度在日本学校通用过，不过后来他们也不用了。清朝末年，简谱通过留日学生传入我国。1904年，沈心工先生编写的“学校唱歌法”一书出版，曾风行一时，从此简谱便在我国普及开来。笔者认为，简谱作为一种大众化的记录方法，在我国普及和推广音乐方面曾经而且仍在发挥很大的作用。不过由于它记谱有不少局限，而且现在世界上绝大多数国家又都不用它，我们应当创造条件推广、普及五线谱，以利于提高音乐水平及与世界各国进行音乐文化交流。



13、什么是五线谱？

五线谱是世界上使用最广泛的记谱法，在目前的记谱法中，五线谱相比较而言最为严密、准确、科学。它用五条平行横线记录声音的高低，用空心（或实心）椭圆或在它一侧加竖线（有的还在竖线的一端加“尾巴”）的图形作音符，表示音的长短（实例请见本站登载的曲谱）具有立体感，便于记录多声部音乐。它17世纪末正式传入我国，在清朝康熙年间宫廷编撰的“律吕正义续编”中，对它有详细介绍，可见传入我国之久。1930年，音乐家刘天华先生将梅兰芳唱的戏曲用五线谱记录下来，出版了“梅兰芳歌曲谱”，该书是我国第一部记录戏曲音乐的专集。 有些人认为五线谱比简谱难学。有这种观念是容易理解的。其实主要原因并非五线谱难，而是改变从小养成的读谱习惯难。你从小接触的乐谱都是简谱，已经习惯于简谱那一套，现在要改当然难了。如果从幼儿园开始就用五线谱，小学、中学音乐教科书也一律如此，平常所见的谱都是五线的，旷日持久，就习惯成自然了。现在有不少孩子三、四岁就开始学钢琴（学钢琴就非用五线谱不可了），由浅到深，由简到繁，读谱练琴齐头并进，所以不少孩子年纪虽小，视读线谱的能力却比许多成年人强得多。什么道理？熟能生巧嘛！



14、什么是小夜曲？

文章有各种体裁，如记叙文、议论文、诗歌、散文等，都是文章的体裁。音乐也有各种体裁，如小夜曲、摇篮曲、奏鸣曲、圆舞曲、小步舞曲、波尔卡、玛祖卡......都是音乐的体裁。 小夜曲是音乐体裁的一种，是用于向心爱的人表达情意的歌曲。起源于欧洲中世纪骑士文学，流传于西班牙、意大利等欧洲国家。最初，小夜曲由青年男子夜晚对着情人的窗口歌唱，倾诉爱情，旋律优美、委婉、缠绵，常用吉他或曼陀林伴奏。随着时代的发展，其形式也有所发展。“中外著名歌曲”中登载的舒柏特、托西尼作曲的小夜曲，都在世界上流传甚广。



15、什么叫波尔卡？

“波尔卡”这个标题不是起概括和提示音乐内容的作用，而是表明它的体裁属于一种男女对舞用的舞曲。起源于捷克民间，曾经风行全欧，西洋不少著名作曲家都用过这种体裁写过音乐作品。它一般为二拍子，节奏活泼、欢快。



16、什么叫玛祖卡？

也是属于男女对舞用的舞曲。起源于波兰，也曾在欧洲风行一时。它与波尔卡最大的区别是前者为二拍子，而它却是三拍子。一般三拍子的曲子重音是落在小节的第一拍，而玛祖卡却常落在第二或第三拍。比如“浅易琴谱”中所登的汤姆生《玛祖卡》，多数小节的重音就是如此。玛祖卡所表达的情绪一般都活泼热烈，演奏时需掌握这个特点。



17、什么叫小步舞曲？

“浅易琴谱”里已登了两首由巴赫作曲的小步舞曲，其实巴赫写这种体裁的作品并不止两首，而且许多古典音乐大师如贝多芬、莫扎特等也都写过以“小步舞曲”命名的作品。 小步舞曲起源于欧洲的宫庭，曾在法国宫庭流行一时。它是一种三拍子的舞曲，速度缓慢，从容曲雅，颇具贵族的风格。



18、什么叫圆舞曲？

圆舞曲又名华尔滋，也是一种三拍子的舞曲。起源于奥地利的一种民间舞蹈。起初流行于维也纳的舞会上，十九世纪风行欧洲。以斯特劳斯的佳作《蓝色多瑙河》最为著名。它有快步和慢步两种。与同样也是三拍子的玛祖卡不同，它的重音一般都落在小节的第一拍上。也与同样是三拍子的小步舞曲不同。圆舞曲的特点是节奏鲜明，旋律流畅，不象小步舞曲那么温文尔雅。不过必须明确，音乐不是数理，不是逻辑，这种区别只是就一般情况而言，并非是绝对的。

欧美音乐小知识

第一部分：

（1、1）什么是 R&B？
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。

（1、2）什么是HOUSE？
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐， 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。

为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的。Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐. House可分为：

Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐

Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体.

Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.

Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一 点像"演奏类"的House乐. 像SASH!的专辑

It‘s My Life便是很好的Progressive House专辑.

Epic House 就是"史诗"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇". 其实连Rock也有"Epic Rock"。
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。

（2、1）什么是Britpop？
Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。
英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead

（2、2）什么是 Trip-Hop？
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut （2、3）什么是 Gangsta Rap？
Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。 Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys

（2、4）什么是 Synth Pop？
Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan

（2、5）什么是 ORCHESTRA ？
ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。

（2、6）什么是 CHAMBER POP？
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。

（2、7）什么是民歌（ FOLK）？
民歌（ FOLK） 原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（ FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌 （FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。

（2、8）什么是 BOSSA NOVA？
BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。 （2、9）什么是 CLASSICAL POP ？
CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。

（2、10）什么是ACAPPELLA ？
ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。



（3、1）什么是 WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。

（3、2）什么是 DREAM-POP？
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多*SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。

（3、3）什么是 NEW AGE？
NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。

（3、4）什么是Electrophonic Music？
何谓Electrophonic Music（电子音乐）？随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓电子音乐，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。电子音乐的类型也是多种多样的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum‘n‘Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。

（3、5）什么是Techno ？
Technology， 即表示“高科技舞曲”啦！利用电脑，合成器合成，做出一些特殊音效，这种音乐常常是许多音效组合起来的。 Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快，且听起来具重复性，较强硬，较机械化，所以某些人称Techno为“工业噪音”，但某些还是会注重旋律的。 Techno起源于美国底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合，而产生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常较平缓， 不像一般的Techno那样强劲，可说是现代Techno的起源。

（3、6）什么是Ambient ？
听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效， 或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为“情境音乐”， 且常对於生活周遭的声音做取样，如人声、汽车声，甚至是其他音乐的旋律……等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很“高深”的电子音乐。后来Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道。

（3、7）什么是Trance？
迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍）， 如Sven Vath的专辑Fusion。

（3、8）什么是Psychedelic Trance？
又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。

（3、9）什么是Break beat？
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种。

（3、10）什么是Brit-Hop？
把黑人Hip-Hop的节奏加快鼓声加重，配合些许电吉他、Bass，有摇滚乐的味道， 如The Chemical Brothers的曲风即是。

（4、1）什么是Big-Beat？
“大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后， 更成熟的一种曲风，你可以想像一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。

（4、2）什么是Drum N‘ Bass？
对某些人来说，Drum N‘ Bass的音乐可能很烦，因为Drum N‘ Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现， 像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum N‘ Bass也是Breakbeat的一种。4Hero为Drum N‘ Bass的知名乐团。

（4、3）什么是Jungle？
Jungle就是Drum N‘ Bass的前身。Jungle的速度比Drum N‘ Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum N‘ Bass会融合一些Jazz、Soul等元素，听起来比较柔（当然这是和Jungle比起来）。连“摇滚变色龙” David Bowie现在都搞起Jungle了。

（4、4）什么是Electro？
早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。 现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。

（4、5）什么是Dub？
Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。

（4、6）什么是Chill Out？
这只是一种统称而已。在舞池旁边，常会有一个区域，或是小房间，里头会放一些较缓和，较平静的音乐，让舞客跳完舞后缓和情绪，休息一下，以放Ambient音乐为主，所以会叫“Chill Out”（冷却）就是这个缘故。The Orb可说是Chill Out音乐大师。

（4、7）什么是Minimalism？  
这被翻译成“极小派乐风”，在Ambient和Techno的音乐中常听的到。带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律，还有一种特别的律动，感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉。Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno，带有相当的迷幻色彩。

第二部分：

【有关摇滚】 什么是Britpop？

Britpop（英伦摇滚）。The Beatles确立了很长时期的英国传统和谐的音乐，吉他流行乐队，是一种通过音乐运动时常更新的传统形式。然而英伦摇滚采用了很多90年代那些比之前任何时期对传统音乐的使用都要多的乐队。尽管这个音乐形式起源于英国音乐独立时期，但是英伦摇滚有很大的商业价值---着类型的乐队可以有经济上很大的报酬，他们是闪亮的，容易让人上瘾的，就像主流流行的歌手们一样，并且他们为新一代英国年轻人的生活创造了新的精神环境。它被英国的年轻一代瞄准：因为英伦摇滚甚少关心其路线是否会使自身较难被美国听众接受，从而使英国年轻的一代充分感觉其唱出了他们的生活，他们的文化和他们的音乐追求。英伦摇滚年轻的活力和渴望公认的特点不仅对90年代早期低调shoegazer风格乐队的老一辈乐手有冲击作用，还对美国阴沉的车库以及在新崛起的地下电子舞曲背后搞创作的乐手有一定的影响力。从音乐上来看，英伦摇滚沿袭了the Beatles，当然也融合了60年代晚期Kinks的田爸兴僖衾郑╰he Who，the Small Faces），70年代的迷幻（David Bowie，T.Rax，Roxy Music），朋克和新浪潮（the Jam，the Buzzcocks，Wire，Madness，XTC，Squeeze，Elvis Costello），还有the Smiths的另类吉他流行。所有的这些乐手都是英国音乐的精髓---他们用明显的英国思维极大的发挥想象，作词和有谱曲，这也是他们几乎没发和美国的Cult相比以及造成英伦摇滚形式单一的一大因素。在影响中分裂后，英伦摇滚已经在曼切斯特拥有了他们最迅速的根基，那是个强调好时机和偏重于shoegazer美学易记曲调的地方。The Stone Roses的颓靡流行风格和摇滚明星的姿态是英伦摇滚创立的主要部分，但是真正意义上的英伦摇滚之父应当属于Suede。在1993年他们以同名专辑第一次发行唱片时，他们那融合了glam-rock权威的式样和Smiths改进后的风格使他们收到了意想不到的出色效果。Suede为之后1994年Blur（Parklife）和Oasis（Definitely Maybe）更强烈的突破开启了大门，使他们从而很快地成为了英伦摇滚的两大最流行的巨星。通过前两者成功，炫目地在乐坛上爆炸而得到灵感，用相似的风格出现的乐队：Elastica，Pulp，Supergrass，the Boo Radleys也同样并列于巨星行列。到了1996，只有Oasis真正的成为了美国乐坛主流音乐的明星。1997年英伦摇滚盛行光环的逐渐消失，也就是Oasis在回顾第三张专辑是表现的贫乏和Blurs转向美国独立摇滚的时期。然而就是在这场运动中慢慢暗淡的巨星们，也仍有个别的继续保持强大的势利，较少的初期传统摇滚保持古典风格继续生存。
代表乐队：Ash.Blur.Coldplay.Elastica.Kula Shaker.Suede. Manic StreetPeachers.Mansun.Oasis.Placebo.Pulp.Radiohead.Rialto.Stone Roses.SuperFurry.Animals.Supergrass.Texas.Travis.Verve

什么是British Punk？

British Punk（英国朋克）。尽管英国不是朋克摇滚的诞生地，它依旧是朋克音乐盛行和产生文化碰撞的地方，紧紧把持住其与美国在表达愤怒和叛逆上的不同思想。英国朋克通过酒吧摇滚乐章中的传统摇滚和任何舞台效果的摇滚形式来得到灵感的，但是最主要的催化剂是早期的纽约朋克如the Ramones 和the New York Dolls。在一个有等级意识的国家诞生并与经济低迷期的抗争，朋克似乎对正是这样一种结构的英国社会造成了威胁，说出了情绪激动的下层阶级和愤青们的心声。它就是通过高声的喧吵，快速的节奏以及最真实地面对现实来做到这一点的。第一个并且是最具影响力的英国朋克乐队就是Sex Pistols，他们在1976年出现，并且通过直接煽动造成了很快速的影响以至于所有的英国朋克乐队都紧随其后。他们的率真，自然，大胆破除吉他重复段的特点为英国朋克描绘了很好的蓝图，他们带来的感官刺激，讽刺颠覆般的花言巧语是他们在公众压力下成为了魔鬼，甚至在大街上都遭到了人身攻击。另一个关键的英国朋克乐队便是the Clash，他们不仅仅是史上最具空想主义的乐队，而且还是音乐上最折衷的乐队，把早期的摇滚和瑞歌舞结合了起来。但在早期的时候，这种风格很多变的：the Buzzcocks谱出了带有诙谐浪漫标志的紧凑的流行朋克的曲调；the Jam用适当的改变英国青年们的庆典音乐缓和了他们的社会批评；the d#amned一群暴动分子，他们击败了the Sex Pistols法系各地一张英国朋克单曲（“New Rose）；X-Ray Spex的显著特征则是它们的成员都是女性。不管他们音乐的收发货这个词的主题，能让其他英国摇滚乐队分享的是鲜脆的能量，对那个时期停滞的主流音乐的厌恶之情以及让每个人能完全释放的动力---抛去他们的演奏技巧而言---能够随意用乐器演奏，在舞台上任意发挥，宣泄他们想说的一切和猛击出一些刺耳的噪音。The Sex Pistols 和the Clash都是主要的标志，唯一可发泄的出口；无论怎样他们自创的审美学在英国引起了独立自由音乐的繁荣。第一阶段英国朋克伴随着the Sex Pistols在1978一月份的解散而中止了，但是这种风格仍旧繁盛---它的音乐是朋克的标志---直到1982年左右。在那段时期，残留的原始朋克已经扩大了他们的音乐风格，并且英国朋克本身已经变异和分裂成一些其他的流派，如流行传统的新潮，艺术挑逗的前朋克，冰冷阴暗的歌特摇滚，无政府的硬核朋克和早期的另类摇滚。 代表乐队：Clash.Elvis Costello.Sex Pistols

什么是British Metal？

单单来看British Metal（英国金属），是和朋克摇滚一样具有巨大的反动力在70年代中期缓慢发展的重金属乐队领域。通过Black Sabbath所表演的grimy riffs形式，英国金属这个风格比他们的前辈更为快速，强硬和喧闹。常常穿着皮衣来玩快速，重击重复段，他们远离了在70时代早期的重型摇滚领域占据优势的AOR-oriented metal风格。Judas Priest, Iron Maiden和Motorhead都是这张变革的领导者，他们在欧洲和美国赢取了忠诚的跟随者，即使他们没有参与主流　他们仍然为所有的金属乐队从鞭挞到死亡摇滚，制造了一定的音乐氛围。
代表乐队：Black Sabbath.Deep Purple.Def Leppard.Iron Maiden.Judas Priest.Led Zeppelin.Ozzy Osbourne.Queen.Venom

什么是Blues-Rock？

Blues-Rock（蓝调摇滚）。很多早期的摇滚是基于蓝调的，但是直到60年代后期，蓝调摇滚仍没有完全发展为一种被认可的流派。蓝调摇滚着重于两种明确的特征---传统的三和弦蓝调歌曲和乐器的即席创作。结合了小型爵士乐队和摇滚不断扩大的喧闹特点，传统的蓝调摇滚---像Cream那样由Alexis Korner 和John Mayall的传统的英国蓝调风格而来的乐队，又如美国he Paul Butterfield Blues Band和Canned Heat—也尝试着演奏在爵士唱片和蓝调演唱会中司空见惯的长的即席创作。这种混血儿很快就流行起来，与此同时很多乐队立刻开始模仿他们，甚至比他们更喧吵和更多的重复段。在70年代早期，蓝调摇滚和硬核的界限越来越不清晰了，像以爵士乐为基础的ZZ Top就吸取了专辑摇滚作品的表演手法用以模糊他们的蓝调根源。不论如何，蓝调摇滚逐渐远离了硬核，并且有一部分的乐队仍继续演奏，重写和创作歌曲按照蓝调的标准。在80年代和90年代，蓝调摇滚比60、70年代更为坚定，即使当如Fabulous Thunderbirds和Stevie Ray Vaughan这样的乐手玩弄起了摇滚演奏者身份。在80年代，蓝调摇滚已经成为像蓝调一样被认可的传统。 代表乐队：Bad Company.Cream Eric Clapton.Janis Joplin.Jeff Beck.Jimi Hendrix.Santana.Stevie Ray Vaughan

第三部分：

【金属乐】

金属其实是摇滚乐的一种形式。具体见下面转载部分 摇滚乐形式分类: 重金属(Heavy Metal)
60年代末由布鲁斯和硬摇滚发展起来的一种摇滚乐风格，具有金属质感的吉他失真和反复的吉他riff是重金属最主要的特征，重金属涵盖的范围非常广泛，而且类别繁多，是70年代以来摇滚乐最大的一个分支，也可以说是最正统的摇滚乐。典型乐队包括BLACK SABBATH（第一支重金属乐队），MOTORHEAD，IRON MAIDEN，SLAYER，BATHORY，DEATH，DARKTHRONE等等。重金属与硬摇滚通常混为一谈，参见硬摇滚。重金属这个词曾经被滥用过一时，80年代不少流行金属甚至流行摇滚都被冠以“重金属”一称，不少人就此被误导。在我们这里，重金属具有更为广泛的意义。但有时“重金属”这三个字也专指那些最典型的重金属乐队如OZZY OSBOURNE，ACCEPT，JUDAS PRIEST等，他们通常很难划分到任何一个派别中去，只好干脆就称之为重金属。

金属(Metal)
由于80年代流行金属甚至流行摇滚的泛滥，“重金属”这个词被用得过滥，一提到重金属，人们首先反应到的是BON JOVI，GUNS ‘‘N ROSES这样的乐队，仿佛他们就代表了重金属音乐。于是有不少乐队和乐迷开始反感“重金属”，他们开始将那些更为核心和更为硬朗的重金属音乐称为“金属”乐，也就是说，“金属”比“重金属”更重和更硬朗。不过后来这个词渐渐成为一种气质的象征，从而变得更为抽象而不容易解释，这是一种思想、形象、音色、编曲上的综合特征。譬如我们可以说早期的METALLICA金属味就比较浓，而后来就几乎没有了；我们也可以说在80年代流行金属中，WASP是比较金属的；还可以把BLACK SABBATH称为金属乐队，而LED ZEPPELIN我们顶多能说是一支重金属乐队；JUDAS PRIEST，IRON MAIDEN，OVERKILL等都是具有强烈金属气质的，而AC/DC，DEF LEPPARD，SLAYER的金属气质就弱一些（因为他们分别带有较强的布鲁斯、流行和朋克意味）；死亡金属是极端金属中最metal的，因为Grindcore朋克味浓，黑金属的音色太脏——总之，这确是一个难以言传的词。

（5、1）Black Metal 黑色金属
以邪恶、异教崇拜以及撒旦思想为其主要诉求，通常在歌词含有反基督、反宗教的倾向即被归为黑金属，除了传统重金属固定乐器之外，经常会使用其他乐器如钢琴、小提琴，或歌剧的女高音，在歌曲中营造出一股诡异又吓人的恐怖气氛。“黑金属”以来自北欧的重金属团体最具代表性。
代表性乐队：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral

（5、2）Death 死亡金属
乐风以“鞭击金属”或“碾核”为其背景演化而成。电吉他快速的反复，几无旋律的和弦，速击狂踩的双大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌词以死亡仇恨为主题，充满了尸体、内脏、肢解、分尸、*尸、恋尸癖、食尸、虐待等变态字眼。“死亡金属”以来自佛罗里达州的重金属乐队最具代表性。
代表性乐队：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation

（5、3）Doom 毁灭金属
节奏和速度都很慢，非常得慢。较不激烈也不大具有攻击性，但仍是相当拥有重量感的音乐。通常具有非常干净的音乐和歌声，但有时也有粗暴野蛮的声音出现。
代表性乐队：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass

（5、4）Glam Metal 华丽金属
通常指一个重金属乐队的舞台表演方式或外在形象以夸张的浓妆艳抹或俊俏的外型来吸引乐迷，这类的乐队大多是偶像团体。“华丽金属”的乐风不会太重，歌词也无太深入之含义，属于较流行的重金属音乐，是主流金属的分支。
代表性乐团：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue

（5、5）Grindcore 碾核
类似“朋克”但极具重量的音乐，主唱低鸣深沉的狂吼咆哮、电吉他超麻辣的音色再加上极快速的反复节拍及密集鼓点，构成一种几无旋律的重金属乐风，乐曲的长度都很短，从两秒钟到三分钟不等。“碾核”为一种极为冷僻的重金属乐风，大多数“死亡金属”乐队都采用此一乐风。
代表性乐队：Napalm Death

（5、6）Grunge 垃圾（颓废？）
另类摇滚的同义词。起源于西雅图的类金属（metal-like）另类摇滚，基本上Grunge属于另类摇滚而不应归类到重金属之下。
代表性乐队：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains

（5、7）Hardcore 硬核
源自于“朋克”，歌词直言不讳粗鄙不堪，音乐如同噪音一般。

（5、8）Hard Rock 重摇滚
比重金属乐“轻”一点的音乐。
代表性乐队：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella

（5、9）Heavy Metal 重金属
“重金属”必须具备狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、电吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓点和低沉有力的贝司填满整个听觉的背景空间，而构成一种含有高爆发力，快速度，重量感及破坏性等元素的改良式摇滚乐。通常泛指传统的主流派重金属或无法分类到其他重金属流派里的重金属乐。
代表性乐队：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P.

（5、10）Industrial Metal 工业金属
采用大量冰冷的电脑采样音效，穿插以机械或金属器具的撞击声代替传统打击乐器，加上电子式的节拍，是很象科技舞曲的重金属乐，但仍保留重金属的大量失真效果。
代表性乐队：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails

（6、1）Neo-Classical 新古典金属
受古典音乐极深，在重金属乐中加入大量古典音乐元素。
代表性乐队： Angra

（6、2）Pop Metal 流行金属
在重金属摇滚中加入流行音乐之元素，可说是重金属摇滚和流行音乐妥协结合的折中产品，是极易为主流市场之音乐消费者所接受的重金属摇滚乐。
代表性乐队：Def Leppard, Mr Big, White Lion

（6、3）Power Metal 强力金属
拥有类似“速度金属”的速度和“鞭击金属”的重量压迫感，但旋律性不及“速度金属”，爆发力也不及“鞭击金属”。
代表性乐队：Pantera, Armored Saint, Wild Dogs

（6、4）Progressive Metal 前卫金属
风格有别于传统重金属，在歌曲中采用大量复杂华丽的编曲，或在歌词中传达出某些前进思想供听者一个想象思考的空间。 代表性乐队：Queensryche, Fate Warning, Dream Theater

（6、4）Punk 朋克
歌词中传达某些叛逆思想及对生活环境、文化、社会、政治等的不满情绪，而音乐缺乏协调性无特定风格，是一种相当嘈杂的音乐，通常一群能将乐器弄出声音来的人就可以组一个朋克乐队。
代表性乐队：Clash, Sex Pistols

（6、5）Speed Metal 速度金属
速度为其标榜的主要特色。经常会和“鞭击金属”产生混淆，通常“速度金属”的音乐较具旋律性，主唱歌词咬字较清楚，吉他间奏富旋律性且快速而流畅；而“鞭击金属”则较缺乏旋律性，完全一速度、重量、压迫感和破坏力并重。通常“鞭击金属”乐队和“速度金属”乐队的乐手们都拥有纯熟高超的乐器演奏技巧。
代表性乐队：Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage

（6、7）Thrash Metal 鞭击金属
速度也极快，具有相当快速的反复节拍(riff)，电吉他粗麻的音色刷出剽悍的和弦，极具破坏力及压迫感的速踩双大鼓，主唱粗暴狂吼式的唱腔配合电吉他快速的节奏急速地唱出几无旋律的曲调。“鞭击金属”以来自旧金山湾区的重金属乐队最具代表性。
代表性乐队：Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exodus, Destruction, Kreator,Coroner, Overkill

欧 洲 金 属 分 类：

※黑金属※（Black Metal）：

1、启蒙黑金属：在八十年代初，英国的地下重金属乐队Venom（毒汁），在音乐中明确宣扬了对撒旦的崇拜、对战争的渴望，并且是由他们第一次将“Black Metal”这个名词带到金属圈内，为日后的黑金属乐队指明了音乐方向；瑞典同样出现了两支启蒙型的黑金属乐队，Bathory（以吸血女伯爵之名命名）和Celtic Frost（凯尔特人的霜冻），他们的音乐已经基本上具备了原始黑金属的特点：粗糙、暴虐、邪恶！而Bathory的第一张专辑也被誉为是第一张黑金属唱片。不能不提的是丹麦的Mercyful Fate（仁慈的命运），他们虽然对日后的原始黑金属没有什么过多的影响，但是却对歌特黑金属、交响黑金属、歌特金属有着榜样的作用。

2、原始黑金属：原始黑金属的故乡是挪威，第一批挪威的原始黑金属乐队是1983年组建的Mayhem（故意伤害）和1991年组建的Burzum。Mayhem的1993年专辑《De Mysteriis Dom Sathanas》被日后很多新的黑金属乐队视为学习的典范，《De Mysteriis Dom Sathanas》是Black Metal历史上里程碑般的专辑，是Black Metal最最伟大的专辑之一，这里面就是最纯粹的Black Metal。
在1992－1994年间，第二批原始黑金属开始崭露头角，挪威有：Darkthrone（黑暗宝座，虽然Darkthrone1996年就已经组建，但他们正真意义上的原始黑金属作品是1992年才发表的）、Satryicon（森林之神）、Gehenna（地狱）、Immortal（不朽）等等；瑞典有：Marduk、Dark Funeral（黑暗葬礼）等等；其他欧洲国家有：波兰的Graveland（坟地）、奥地利的Abigor、芬兰的Impaled Nazarene（被刺穿的基督教徒）、马其顿的Baltak等。

3、交响黑金属：在第二批原始黑金属乐队活跃的时候，另一种新式的黑金属类型也在不断地发展起来，那就是以大量的键盘演奏来衬托黑暗的气氛，气势异常宏大的交响黑金属。代表乐队有：挪威的Emperor（皇帝）、Old Man‘‘s Child（老人的孩子）、Dimmu Borgir（雾中城堡）；其他欧洲乐队有：奥地利的Summoning（召唤）、乌克兰的Nokturnal Mortum等。

4、歌特黑金属：这类黑金属主要是在原始黑金属的音乐里加入了歌特键盘、歌特女声、并且注重视觉效果，代表乐队有挪威的Dismal Euphony、意大利的Graveworm（墓穴蠕虫）、英国的Cradle Of Filth（淫秽摇篮）。

5、维京金属：这是一种以北欧维京文化为基础的民谣式黑金属，代表乐队有挪威的Ulver（狼）、Enslaved、Einherjer、Borknagar等，瑞典乐队Bathory中后期的作品。

6、旋律黑金属：这是一种新兴的黑金属风格，和旋律死亡金属的意思一样，就是让极端的音乐变得旋律动听，代表乐队是瑞典的Vintersorg、Witchered Beauty等。

7、黑暗金属：这是黑金属的一个分支，运用黑金属的演奏手法及唱腔来抒发自己的感情，一般不含有恶魔崇拜，代表乐队有挪威的Aeternus（沉睡）和芬兰的Thy Serpent（巨蟒）；德国的Crematory（火葬场）；瑞士的Samael。

※死亡金属※（Death Metal）：

1、残暴死亡金属：欧洲的死亡金属中心无疑是瑞典的Stockholm，所以无论是残暴死亡金属还是旋律死亡金属，瑞典乐队都是非常优秀的。欧洲的残暴死亡金属代表乐队有：瑞典的Dismember、Defleshed、Hypocrisy、Gardenian；德国的Krabathor；英国的Carcass。

2、旋律死亡金属：代表乐队有瑞典的In Flames、Dark Tranquillity、At The Gates、Edge of Sanity、Sacrilege以及芬兰的Amorphis。

3、前卫死亡金属：代表乐队是芬兰的Sentenced。

4、歌特死亡金属：代表乐队是瑞典的Opeth。

※黑死金属※（Black Death Metal）：

这种音乐风格融合了黑金属与死亡金属，代表乐队是瑞典的Dissection；芬兰的Children Of Bodom。
※毁灭金属※（Doom Metal）

1、传统毁灭：代表乐队是英国的Cathedral、瑞典的Candlemass、Skepticism。

2、歌特毁灭：代表乐队是英国的My Dying Bride、Paradise Lost、Anathema；瑞典的Forest of Shadows、Cemetary、Tiamat；克罗地亚的Ashes You Leave，俄罗斯的Butterfly Temple。

3、死亡毁灭：代表乐队是瑞典的Godgory；丹麦的Saturnus。

※歌特金属※（Gothic Metal）

我觉得歌特金属如果要分得话，也只能够再分成传统歌特金属和交响歌特金属了，但是我认为没有这个必要，所以歌特金属我不再做分类，只列举代表乐队：瑞士的Lacrimosa；瑞典的Therion、Katatonia、Lake Of Tears；芬兰的Nightwish、Yearning、Eternal Tears of Sorrow；挪威的Tristania、The Sins Of Thy Beloved、Theatre Of Tragedy；德国的Lacrimas Profundere、Evereve、Darkseed；荷兰的The Gathering、Within Temptation；意大利的Lacuna Coil、Macbeth；奥地利的In Grey；葡萄牙的Moonspell。

※另附：前卫金属※（Progressive Metal）
我个人认为前卫金属也又没必要在加以分类了，下面列举代表乐队：意大利的Rhapsody、Lucaturilli（Rhapsody吉他手）；芬兰的Stratovarius；德国的Freedom Call、Blind Guardian。

补充： 29.迪斯科（Disco）
　　discotheque的简称，原意为唱片舞会，起先是指黑人在夜总会按录音跳舞的音乐，70年代实际上成了对任何时新的舞蹈音乐的统称。与摇滚相比，它的特点是强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的4/4拍子，歌词和曲调简单。1977年，因澳大利亚流行音乐小组“比吉斯”（Bee Gees）的电影录音《周末狂热》在美国掀起迪斯科热。迪斯科经常在录音室进行音响合成，制成唱片，但终因节奏单调、风格雷同，于80年代初逐渐被其他节奏不那么显著、速度稍慢的流行舞曲所代替。

30.朋克（Punk）
　　70年代中期发展起来的一种摇滚乐，或称“朋克摇滚”（punk rock），80年代初扩展到全美国。朋克针对摇滚乐的反抗性减弱这一情况，以一种故意与比较文明的摇滚乐相对立的面目出现。它继承了摇滚乐开始时的反叛精神，蔑视一切传统，蔑视政府、宗教、教育机构等等，但却是用一种更加颓废的方式，极端无政府主义的言行表现出来。他们的唱词淫狠、粗鲁；在舞台上尖叫、跺脚、斗殴；音乐上与硬摇滚比较接近，音响极大，音色浓烈浑厚。代表性乐队有“性手枪”（Sex Pistols）、“撞击”（The Clash）等。
　　70年代末，从朋克中分离出一支比较能被人接受的、也更带点艺术性的新品种，叫“新浪潮”（New Wave）。

31.索尔（Soul）
　　亦称“灵歌”。1969年，“公告牌”用“索尔”来代替原来对“节奏布鲁斯”的称呼。它是由布鲁斯、摇滚乐与黑人福音歌混合而成的一种黑人流行音乐，演唱时较少演奏乐器。索尔的著名歌手有詹姆斯·布朗（James Brown）、查尔斯（Ray Charles）、雷丁（Ons Redding）、史蒂夫·旺德（Stevle Wonder）、普林斯（Prince）等。

32.雷鬼（Reggae）
　　起源于牙买加，70年代中期传入美国。它把非洲、拉丁美洲节奏和类似非洲流行的那种呼应式的歌唱法，与强劲的、有推动力的摇滚乐音响相结合。

33.说唱（Rap）
　　黑人俚语，相当于“谈话”（talking），产自纽约贫困黑人聚居区。它以在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的诗句为特征。这种形式来源之一是过去电台节目主持人在介绍唱片时所用的一种快速的、押韵的行话性的语言。莱普的歌词幽默、风趣，常带讽刺性，80年代尤其受到黑人欢迎。最有代表性的乐队是“公开的敌人”（Public Enemy）。莱普有时也称“希普－霍普”（hip－hop）。实际上，希普－霍普的含义更宽，泛指当时纽约街头文化的各种成分，除莱普外，还有：（莱普经常采用的）用手把放在唱机转盘上的唱片前后移动，发出有节奏的刮擦声；唱片播放员（DJ）在转换唱片拼接唱片音乐片断时，听不出中断痕迹的技法；霹雳舞等等。

34.波普（Pop）
　　一种具有强烈节拍的现代流行音乐。一般认为，流行音乐有广义和狭义之分，这里的“波普”是指狭义的流行音乐，如 70、80年代著名歌手罗斯（Diana Ross）、里奇（Lionel Richie）、惠特妮·休斯顿（Whitney Houston）、麦当娜（Madonna）、迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）、普林斯（Prince）、珍妮特·杰克逊（Janet Jackson）等人演唱的很多歌曲。

35.艺术摇滚（Art Rock）
　　于70年代后流行，主要在欧洲，英国人领头，如“穆迪布鲁斯”（Moody Blues）乐队，但在美国也有影响。艺术摇滚把摇滚与古典音乐结合起来，利用电子设备演奏如李斯特、德彪西等作曲家的作品，又称“进步摇滚”（Prosressive rock）。

第四部分：

【乡村音乐】

  在二十世纪的一段很长时间里，乡村音乐在整个流行音乐的舞台上只是扮演着一个小小的角色。第一次大战结束不久，美国新建立的一些乡村广播电台经常以乡村音乐为点缀，播放地区性的广告时往往以活跃于附近地区的乡村音乐家所表演的音乐节目为其简短的前奏。到一九二四年，这些音乐已拥有一个北方的市场，主要由肯塔基乡村音乐家表演的谷仓舞前一次成功地出现在芝加哥。同时，唱片灌制业也开始对乡村音乐发生极大兴趣，其目的是为了发行圆形唱片，主要是在乡村中商店里出售。他们很快便惊奇地发现，对这种唱片的生产存在着全国性的需求。爵士乐主要使用管乐器，乡村音乐则主要依靠弦乐器。小提琴、吉它和班卓琴在乡间越来越流行，它们例于买到，价格低廉，在重工业奏中容易结合，非常适合演奏业已发展起来而原来的民间乐器已不能胜任的乡间音乐。

　　二十世纪三十年代，乡村音乐在流行音乐主流中的地位得到巩固。在乡村音乐家所表演的曲目中囊括多种音乐：民间舞曲、经白人改编的黑人布鲁斯、宗教歌曲、描写铁路灾祸和棉厂辛劳的叙事歌曲、更重要的是表现各种痛苦之人（临终的母亲、孤儿、丧偶者、远离家乡的孤独者、失恋者）的歌曲，为了吸引观众，这种歌曲被处理得凄凉惋人，摧人泪下。二战期间，乡村音乐在流行娱乐业中的地位急剧提高，其影响范围有极大的扩展。这大概是由于当时大量人口转入城市工厂和军队，使得这种音乐的乡愁情调具有独特的吸引力。

　　二十世纪五十年代中期，在乡村音乐中两种相反的风格居于主导地位。东南部乡村音乐采用了激烈奔放的“兰草”音乐的形式，突出了五弦班卓琴高超的演奏技巧；西南部的乡村音乐民谣风不强，情调较为柔弱，节奏准确明晰，低声部重音强烈而突出，正是从这种音乐中产生了摇滚乐。

　　如果我们继续追溯乡村音乐的起源，那么就要拉扯到十八、十九世纪美州大陆最早的白人定居者了。这些从各地而来的移民者唱着他们古老的歌曲，逐渐融汇而成了被人们称为乡村音乐和西部音乐的通俗音乐。起先，这些开拓者们的歌曲极大程度地描绘和体现了生活的困苦以及孤独、焦躁、痛苦的感情色彩。而演奏者和音乐家们与其说是通过音乐手法减缓这种孤独，不如说是刺激公众的能动去更彻底地改变旧有的模式，以至使音乐产生了欢欣。事实证明，要保持这种古老音乐原有的精神，就要去掉痛苦和激情—使音乐达到真实的程度。正因为如此，我们的民间音乐才得以过渡到通俗音乐。

　　然而乡村音乐歌手似乎都有一个共同的特点，那就是认为快乐就像生活一样，永远是不安全的。正因为如此，他们的歌中总是带有一种冷淡或忧愁。如著名的美国歌曲“The Sound Of Silence”，那种冷淡的旋律，即使是不看歌词，也能使人感觉到孤独和阴暗。还有众所周知的老歌“The Yellow Ribbin On An Old Oak Tree”，虽然旋律轻快，但总是笼着一层薄而淡的金色忧愁。更不用说Joan Baez的“Famous Blue Raincoal”了，简直让人感到骨髓都带着寒气，歌曲结束后，人都感动得发颤，而又突然莫名其妙地忧伤起来。我想，特别迷恋乡村音乐的朋友，可能都是多悉善感的人吧！但也不要太过忧伤了，还是笑口常开的为妙，因为连Garth Brooks这样的乡村歌曲之王都会说：“虽然我唱人生的不幸，但也唱生活的快乐，因为快乐总是多于不幸！”

第五部分：

【爵士乐】

爵 士 起 源

起初（1860年）~（1900年）从非洲来了很多奴隶，奴隶们获得了自由，此后不足数载，他们就独创出自己的音乐，名曰爵士乐。每一种艺术的创生都有自己的神话，爵士乐的神话来自非洲。它起源于贫困。1865年，美国内战宣告结束，往日的奴隶们获得了人生自由，他们多数是文盲，生活依然贫困潦倒，唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐，劳动号子和农田歌曲是采摘棉花或筑路时唱的，赞美诗和圣歌是种族隔离的教堂里或是在教堂聚会时唱的，吟游调子是在帐篷里或歌舞杂耍的巡回演出中唱的，而即兴之作则是独唱歌手们在一只简陋的卓琴或小提琴的伴奏下吟唱的。所有这些类型的歌曲以及更多的歌声响澈南部诸洲。显然，音乐本身没有肤色之辨。吟游歌手们最初都是白人，他们将脸孔涂黑，模仿并歪曲黑人音乐家的演唱；乡村里贫困的白人乐手表演的，往往来自欧洲的民谣和说法语的路易斯安娜洲所独有的移民音乐。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例，即采用一种名为“领唱”的技巧反复吟诵两到三行圣诗，以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵，极少有乐器伴奏。然而内战结束，士兵们复员回乡后，有价格相当便宜的军乐可利用；自1830年代起，行军乐团在南部诸洲处处可见，当年能参加乐团的人固然有限，但是到了这时候更多的人得以自行演奏。器乐演奏行列的壮大意味着黑人音乐的日臻成熟。20世纪初，一种斩新的音乐形式已经准备停当，行将问世了，当时它被命名为拉格泰姆----此时，爵士乐的故事尚未开始。

拉 格 泰 姆 音 乐

黑人古典音乐起源拉格泰姆音乐。若非拉格泰姆音乐的出现，爵士音乐的面目将和当今截然不同，而且一代一代的钢琴演奏家们会蒙受巨大的损失-----损失许多音符。在1865年的，美国内战宣告结束，往日的黑奴们获得了人身自由。日益壮大的黑人中产阶级中拥有钢琴、能够弹奏，而且一心想要创造美国古典音乐的人的作品。拉格泰姆歌曲----《枫叶拉格》是1899年最广为流传的。由于这种音乐在新奥尔良和美国其他南部重镇风行一时。拉格泰姆音乐中最杰出的黑人音乐家----斯考特.乔普林，他希望将该音乐风格转换为美国第一流的音乐。他的作品有《尊贵来客》、《特里蒙尼莎》等。事实上，美国本土的较为高尚的、还有那些高贵与低贱血统的混血儿、所谓过分正经的人对这种咕哝呻吟的乐曲并不感兴趣。在他全心全意创作拉格泰姆音乐的同时，这种音乐很快在消失，一方面这种音乐被流行音乐界采纳，另一方面归入了通俗、更追求享乐的爵士乐。因此，它对流行音乐与爵士音乐在节奏跳跃上都有贡献，这种跳跃为切分音符。在当时流行音乐里缺少了切分音符将呆板到极。拉格泰姆音乐也给钢琴爵士乐们开创了事业，留下了不可磨灭的文化遗产。随之而后才出现了一系列的黑人古典音乐----爵士音乐，爵士音乐的故事就开始了......

爵 士 乐 进 入 城 市 ------ 新 奥 尔 良

（1897年----1917年）
最初的一位名布迪.博而登（1877~1931）的短号手，他的乐队表演流行舞曲中的保留节目，大都取材於拉格泰姆和蓝调音乐家，从他们的六只乐器就可以看出爵士乐的起源----有来自军乐铜管乐队的短号、活瓣长号和鼓、有家住城里的 那些教养高贵、家境殷实的混血克里奥尔人带来的的单簧管和贝斯，还有流浪的吟游歌人和蓝调歌手们手中的其他。但凡缺乏精致的地方，乐队一律用音量和激情予以补偿，毕竟这种音乐是靠耳朵来听演奏的，充满了粗糙的即兴发挥，几乎很少考虑音高和声调问题。大批模仿者在博尔登之后投身於爵士乐之中。短号手弗莱迪.基帕德 （1890~1933），帮克.约翰逊（1889~1949），乔.奥利弗（1885~1938），以及后期的路易斯.阿姆斯特朗（1901~1971），单簧管乐手西德尼.比澈特（1897~1959），拉格泰姆钢琴家杰里.罗尔.摩顿（1890~1941），所有这些人都在酒吧和妓院里，在斯多利城里开创了自己的事业，演奏适宜新月城这样的大都会的狂暴喧骚的音乐。许多人所共知的作品都由这一地区的地名而得名，其中最为知名的有巴辛街（位于新奥尔良市中心）蓝调和堪纳尔街蓝调。1917年以前，一些公认的爵士乐就已然成型了。

赫 赫 有 名 的 爵 士 乐 队
（原创迪西澜德爵士乐队）
1917年-1920年
1917年，爵士乐最终为自己录制了唱片。与此同时美国加入了世界大战，不过为新奥尔良诞生的黑人文化庆祝胜利之前，有两件事要更正。其一是唱片并非在新奥尔良录制，而是在纽约；其二是乐队的五位成员虽然都是些小火儿，但他们都是白人。1916年时，爵士面临危机，白人乐手纷纷踏上爵士舞台，抄袭了黑人乐队的原创风格。许多唱片公司打算为这种新兴音乐录制唱片，但是这些公司都远在北部城市里，而逾越手却多集中於南部。炙手可及的一位短号手弗莱迪.凯帕德在芝加哥和纽约的原创克赖奥尔乐队工作----偏偏又惟恐有人剽窃，拒绝录音，白白错过了成为进入史册第一的机会。于是，如此机缘下，第一个到唱片公司录音的乐队就是为一支派生出来的白人乐队。原创迪西澜德爵士乐队初生时是约翰尼.斯特恩的乐手领导的迪西爵士乐队的五人组合，根据布迪.博尔登确立的前排演唱加节奏的格局表演。1916年3月，他们到芝加哥东31街的勒咖啡馆演奏，并得到《芝加哥消息》赞美。尽管如此，同年6月，队长斯特恩还是被抛弃一旁，乐队也改了名字。次年，几1917年1月7日，乐队在马隆诸塞洲的雷森韦博饭店举行了依次轰动的招待会。与哥伦比亚唱片公司对簿公堂之后，这家公司终于放弃发行唱片，这时候维克多唱片公司抓住这支乐队，并于2月26日录制了两张大碟。《代养马房蓝调》和《迪西爵士乐队迈出的第一步》成为历史上首次录制的爵士乐曲，效果和经济效益都非常好。在《代养马房蓝调》中，原创迪西澜德爵士月队模仿了农场里动物的声音，还运用了许多小技巧，即表演了爵士，又可娱乐。可是他们的表演与后来的音乐想比，显得过于造作、技巧幼稚。或许因为他们本是由黑人音乐家中派生出来的吧，几年就散伙了，但是毕竟是他们将爵士乐介绍给更多的听众，音乐历史册上留下了他们光辉的一页。

爵 士 乐 大 迁 徒
(1917年-1925年)
1917年，美国参加了第一次世界大战，使得斯多利城关闭了大门，同时也结束了新奥尔良许多音乐街的生命。然而,欧洲还是需要音乐表演的。1918年，附属於美国第369步兵团的“吉姆欧洲地狱战士乐队”在法国诸城演出时刮起一场旋风，当时原创迪西澜德爵士乐队正在伦敦的海莫史密斯大厦里享受为期九个月的战后住穴。一个听众消失了，更广泛的听众却欲如流水般涌来，。1918年，短号演奏家乔.金.奥利弗（Joe.King.Oliver,1885~1938）携乐队全体人马由新奥尔良北迁到芝加哥，1922年，他率领的六人组合克莱奥利爵士乐队开始在林肯花园驻唱。他派人到南部聘请一位禀赋超群的年轻短号手路易斯.阿姆斯特（Louis.Amstrong）加入乐队，这两人改变了新奥尔良的爵士乐。在此之前，爵士乐多为合奏曲，只有些奇异和声和细节上的即兴演奏。而当乐队前排乐手中有两位短号手时，金.奥利弗就可以大胆尝试了。他自己紧跟随乐曲的发展，而阿姆斯特朗则获准偏离主旋律。出人意料，创造性地装点乐曲。爵士乐曾一度平静地跛着步子，而今也出现了潮起朝落。直到1922年，奥利弗才录制了唱片，他为爵士乐贡出不朽的功绩。

激 情 的 爵 士 乐
(1925年-1928年)
除了美国，爵士乐发展最顺利的当数法国。法国早有餐厅歌舞表演的传统并且算是容纳异族，因此法国比起英国来更容易接受这种全新音乐形式。1932年，巴黎的一群爵士乐迷创建了欧洲首家爵士俱乐部----法国激情俱乐部，会长是作家兼评论家盖斯.庞纳塞。1934年，俱乐部决定组建一支五重奏乐队。三大吉他手之一是德让戈.莱因哈特（1910~1953），小提琴手是史蒂芬.格莱柏利（1908~1977）。格莱柏利出身於巴黎的一个中产阶级家庭，接受过古典艺术的训练；而莱哈特则生在比利时的一个吉普赛人家，完全依靠自学成材。格莱柏利温文而雅、态度从容，而莱因哈他则执拗挑剔、不服从管教，他性情难测，但同时也具有革新的天分。有时候，他的演奏风格浪漫得令你倒胃口；但他全力以赴时，尽管左手在18岁那一年因大蓬车着火致残，他能摇身变为身怀绝技的演员和作曲家。大型乐队垄断一切时代，法国激情俱乐部五重奏两位领衔独奏乐手之间那份和谐使它灼热闪光----取得了巨大成功。五重奏乐队最出众的作品成型於30年代。1939年，大战爆发，逼得乐队的最初成员四散分离：格莱柏利背井离乡，留在了伦敦，莱哈特和其余人员在被占领的欧洲各地巡回演出。战后，莱因哈特和其他成员重组了五重奏乐队，试图演绎崭新的博普乐，并且开始采用电子吉他，不过其音色和以往的吉他永远不可能一般无二了。格莱柏利失宠了，但60年代又重振雄风，从电子小提琴手金--鲁克.庞蒂到古典艺术家耶胡迪.曼努因，他和每一个人合作，而且对两个极端的音乐都没有任何明显损伤。他有如一瓶好酒，随着岁月的流逝愈见成熟，最终彻底摆脱了古典音乐的养，凭情感自由奔放。

蓝 调 乐
(1923年-1933年)
就如爵士乐一样，很晚时候蓝调音乐才录制成唱片，应是在1920年，故此有关它早期的故事，我们所知无多。它大约起源於种植园里的的歌曲----最初没人伴唱，而后有了类似吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏，器乐旋律与歌曲者交替表演。本世纪初，这种音乐形式发展为三行十二小节的格式。蓝调的模式成为爵士乐以即兴发挥的工具，于是，1920年代以前，蓝调已经被公认为爵士乐的分支流派。与爵士乐相比，蓝调的音乐形式较为初级，但是早期演奏者手中，它也可以非常精彩。1923年，贝西.史密斯（1895~1937）录制了《灰心的蓝调》，这张专集很快买掉了七十五万张，还为她赢得了与哥伦比亚唱片公司为期九年的和约。这位“蓝调女王”的表演极具戏剧性，她的声调可以跨越情感所至的所有音域，歌唱时谦心投入，为歌曲渲染上自己的风格，无疑，她的确值得尊敬。在她事业的颠峰时期，她每周的收入高达2000美金，并与所有爵士乐大派巨星合作。贝西.史密斯是显得格外别致的地方，玛.雷尼总是显得那麽世俗。贝西.史密斯经常循着TOBA路线在南部诸洲巡回旅行----许多黑人城镇中，这是唯一娱乐，录制成唱片的歌曲约计一百首。她那幽雅的姿态，简洁而戏剧性的音色，沉郁忧伤的音调，令人不可思议的呼应听众之能事，使得得她在许多人心目中成为蓝调的化身。“蓝调”----是某种心态，是简释这种心态的音乐，是用以演绎这种音乐的数不胜数的音乐结构，以及表演本身。思考、演奏、歌唱或者扮演蓝调----都可称之为蓝调。不过为了简化它上午概念，爵士乐手们谈及蓝调时，他们通常指的是十二个小节每四小节一组、共分三组，并伴以和弦，即在音阶的第一、第四和第五音符上配上和音。采用了这种和弦过程的简单蓝调歌曲中，有一句长达四小节，而后再重复四小节，最后四小节押韵与前两组相呼应。这种模式还有无数边体。独特的蓝调音乐通过降低音阶上的第三、第七，有时候第五音符的音高，以此创造“蓝色音符”----也界定何谓爵士乐。写在纸上的乐谱如此让人生厌，然而一旦你亲耳聆听过蓝调乐曲，你就会立即从嘈杂的乐曲中辨别出蓝调的音符和歌曲。

萨 克 斯 管 进 入 爵 士 乐
(1923年-1959年)
如果说从短号到小号的过渡微妙得令人难以察觉，那么当代单簧管而取萨克斯管可以说颇具戏剧性了；故事可以追溯到1919年伦敦索霍区的一家乐器行。当时，新奥尔良的一位年轻乐手西德尼，比彻特正好随同南辛考佩德管许乐园----一支演奏经典轻音乐和正规拉格泰姆音乐的乐园-----到欧洲旅行，在此发现了一双高音萨克斯管。他掏钱买了下来，开始学习吹奏，而且很快就如同阿姆斯特郎改行吹小号一样，他也改行操起了萨克斯管---他赋予萨克斯管一种音乐语言和演奏风格，后来人即便不肯全然效仿，至少也要消化吸收他的成就。比彻特不费吹灰之力就与阿姆斯特朗并驾齐驱。他大体上靠自学成材，虽然他读不懂乐谱，但是他为萨克斯管创造了一种将拉格泰姆音乐的拘泥僵化与新奥尔良爵士乐的简约平凡一扫而空的演奏方式，代之以曲折复杂流畅连贯的演奏风格，其间穿着尖锐的音调和大量颤音。富于音乐技巧的比彻特的出现切合当时音乐界的迫切需要，如果他在某一地区多留几年，他本该成为两次世界大战之间重要的爵士手。不过，他更留恋流浪的日子，1925年他在巴黎时事讽刺剧〈〈尼格利〉〉中充任伴奏—剧中的舞蹈演员约瑟芬。贝克给观众留下了深刻印象，四年时间随剧组走遍了欧洲各地（包括俄罗斯），此后，在纽约盘亘许久之后，1949年才返回巴黎。十年后，他在巴黎逝世。法国人为纪念这位国家英雄，将法国南部安提比斯的一座广场命名为比彻特广场，每年在那里举办爵士音乐节。此外，他喜欢打架，因此而被逐出英法两国；1929年，他还因使用轻武器被法国监禁一年。比彻特两次获得特赦，使他的事业得以幸免----他做过一段时间裁缝之后，1939年为他演奏过的乔解放灵魂的即兴力量。

　　提起爵士乐，许多人脑海中大概都会出现这样子的刻板印象：哦，我听不懂的上层阶级享受。

　　事实上，从19世纪末爵士乐出现开始，这种音乐从来就不曾专属於哪一个特定阶级。更贴近事实地说，爵士音乐甚至诞生於中下层社会。

　　陈述心与灵的本能音乐
　　大部份的音乐学者都肯定爵士乐源於非洲黑人传统民谣，以及演进至美洲黑奴做为纾发内心郁闷之途的工作歌（Work Songs），还有之後再逐渐发展出来的蓝调音乐，这种音乐"乐如其名"地听来十分忧郁（Blue）。这些乐风都是以往以白人为主导的古典乐界所未曾听闻的。先不要管它们的结构、乐理等等这些无济於聆听兴味的八股分析公式，最重要的是，这类黑人音乐让白人目瞪口呆地从中碰触到了赤裸裸的"心与灵"。在这之前，所谓的正统音乐多半将感情藏匿於制式结构里，即使澎湃如命运交响曲，你也很难跟着音乐的流动直接呼号出自己真正的感受。黑人音乐不一样，从歌曲中直陈想法几乎是他们的本能，这一点理所当然地遗传到了爵士乐身上。

　　黑白共同叁与的多样融合
　　多数学者相信爵士的正式雏型形成在19世纪末。当时由於黑人音乐为白人社会所带来的震撼，相对地在欧洲某些地区像是巴黎等地的音乐家，也尝试着将白人音乐的元素揉入黑人音乐里，进而搭建出极为复杂且多层次、多变化的音乐类型。所以，另一个要澄清的观念是，爵士乐打从一开始就是黑白共同叁与的，它并不是单纯的黑色音乐。刚在19世纪末20世纪初出现的爵士乐团，多为走唱街头的表演团体。也可以说，他们是世纪交接时的「那卡西」。

　　20、30年代的主流音乐
　　一直到1920年代，爵士乐推广开来，成为彼时流行的主流音乐。如果你看过描绘当时美国角头盘据的黑帮电影，像是「棉花田俱乐部」、「四海好家伙」之类的片子，一定看过老大上的高档餐厅里，必有演奏爵士乐的大乐团。当时乐团排场越大就越有面子，演奏的内容倒是其次。到了1930年代，经济大恐慌出现了，这下餐厅老板可雇不起那麽多乐手，於是乐团人事精简，但失业的恐怖袭卷了整个美国，於是表面听来十分安详愉快的摇摆乐派（Swing）出现了。Benny Goodman这位摇摆乐之王就是这麽垂名青史的。虽然不断有些细细念的声音表示他的音乐太过商业化，不过不可否认地，这个好人（Goodman）的音乐的确为当时爵士乐的继续维持主流地位立下汗马功劳。

　　东岸咆哮乐派(Bop)的诞生
　　进入1940年代後，一些以爵士兴亡为己任的自省派乐手从纽约冒出头来，这些多半来自东岸酒吧的乐手将爵士视做一门非常严重的学问，他们往往坚持在演奏时要西装毕挺，因为他们是正式的音乐家。这群年轻乐手的严谨态度果然创下了爵士史上做重要的革命之一 Bop乐派。这些乐手极端强调爵士乐最最精髓之处应为「即兴」；除此之外，他们在乐句结构上的重整与解构亦是音乐史上前所未见的。几名代表乐手像是传奇天才「Bird」 Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Bud Powell...等人对於音乐大刀阔斧的实验，为爵士乐解放灵魂的宗旨连结上高难度技巧的曲式鹰架。

　　西岸的酷派(Cool School)兴起

　　是的，有东必有西，东岸的Bop如火如荼地撩了一阵子的原，西岸乐手也不甘寂寞地发展出他们自己的特有风格。许多来自美国西岸的乐手出身於古典音乐学院，诸如：Bill Evens、Miles Davis、Dave Brubeck、Lennie Tristano... 等代表性乐手及创作者，都受过严格古典音乐教育。在他们的作品里强调的重点在於严谨的曲式结构设计，因此许多西岸乐手要求在演奏乐曲前要有精心的前置作业，在演奏技巧上也极力要求，也因此他们的演奏风格让人听起来比较具有客观冷静的特质，尤其是相较於非常强调情感奔放的Bop，西岸爵士的耳感就显得较「酷」了。於是，这些作品就被冠上「Cool School」的封号，与东岸热闹的Bop各据一方。

　　解放热与冷的自由爵士

　　一些出身於Bop和Cool School的乐手，为追求黑人音乐原本的解放精神，进而探究在爵士乐里的思考层面，并且在曲式上进行解构及重新建构的工作，一般人认为甚难理解的Free Jazz因之渐渐形成。其实Free Jazz的出现如同其他乐派一样，并非一时之间蹦出来的；之所以会被定名为Free Jazz，一般认为是在Ornette Coleman的“Free Jazz”专辑後，这类难以归类的爵士乐才被冠上「自由爵士」这样听来十分「自由」的名称。其实这所谓的「自由」并不是完完全全的毫无规章，「Free Jazz」最难的特点在於它要试图藉音乐的复杂结构规定去寻求精神与灵魂上的自由解放，这也是为何John Coltrane、Eric Dolphy、John Zorn.... 等等乐手会如此被乐界视做瑰宝的原因之一。

　　对摇滚乐的反扑-融合爵士(Fusion)

　　爵士音乐进行到现在，如同其它音乐类型一样，仍然还在发展茁壮。在不同地区的爵士也搀入不同地区的特色。爵士乐，就像这种音乐本身的自由解放精神，还在不断地探索更立体的思维空间，以及变化出更多姿多采的面貌。这，也就是爵士乐最引人入胜的地方。直接面对爵士乐对灵魂的挑逗，那是生命中一大享受。

第六部分：

★有关爵士乐名词解释★ ◎原声爵士乐（Acoustic Jazz）
　　没有用电声扩音的爵士乐，不过他的音色早已稍许提高了一点。原声乐器演奏的乐曲有别于电声处理的乐曲。

◎拉弓（Arco）
　　用弓弦演奏贝斯或其他弦乐器的技巧。

◎小节（Bar）
　 节拍组的基本单位；乐手们谈论每小节演奏三拍还是无论多少拍。

◎节拍（Beat）
　　衡量节奏搏动的单位。几个节拍组织成一个小节后，会格外突出其中某一个或多个节拍。

◎蓝调的音调（Blue notes）
　　低调处理主要音阶中的第三、第五或第七音符，以便增强音乐的表现力，这种技巧为爵士乐和蓝调的典型特色。

◎蓝调（又译作布鲁斯[Blues]）
　　美国黑人的传统音乐形式，他的出现早于爵士乐，彼此之间互有影响。一曲蓝调的主题乐结构为12个小节---当爵士乐手们说“我们来演奏蓝调吧”，指的就是12小节的结构，而非某一演奏风格。尽管我们常提及16小节和32小节蓝调，但他们实际上哪里是蓝调啊！

◎布吉伍吉爵士乐（Boogie Woogie）
　　20年代风行一时的钢琴演奏风格，40年代再次焕发青春。其特色为左手平稳地重复弹奏八个音符的变格，被用右手弹奏的旋律覆盖。

◎博普爵士乐（Bop）
　　也称比博普，40年代发展起来的一种突破性的爵士乐，独奏是在第一流的和弦变化基础上即兴发挥。

◎转调（Changes）
　　指出爵士乐的即兴发挥基础上，连贯相继的和弦一个弦进至另一个和弦。转调意味着构成某一部乐曲的不同和弦之间存在着特定的次序。

◎和弦（Chord）
　　自然和谐地演奏出至少三个不同的音符，以便创立一个和音。琶音和弦是指以上升或下降的顺序演奏音符。和弦是和音的基础。

◎主题乐段（Chorus）
　　转调过程中的单一陈述，乐曲以主题乐段为根本。独奏转调时，往往是长久地演奏许多主题乐段。

◎循环呼吸（Circular Breathing）
　　 向吹奏乐器的吹口中送气，为了气流不间断，并且不因呼吸打断一组音符的连贯性，乐手通过鼻子呼吸。

◎冷爵士乐（Cool jazz）
　　50年代对抗博普乐而产生的爵士乐形式，他更重视音乐的整体结构，而非即兴发挥，以约束情感和低缓忧郁的表演为特色。与美国西海岸息息相关。

◎复调(Counterpoint）
　　两段或两段以上相关但又有区别的旋律的自然组合。

◎迪西兰德爵士乐（Dixieland）
　　白人乐手演奏的早期新奥尔良爵士乐。

◎自由爵士乐（Free jazz）
　　自由爵士乐是在50年代末发展成型，他摒弃了传统保守的节奏、和声以及旋律构成，追求更广阔地自我表演空间。

◎乡土爵士乐（Funk）
　　为了对抗冷爵士乐，50年代乡土爵士乐在蓝调的影响下诞生了，采用的是强有力的节奏和乡土气息的主旋律。爵士乐术语中所谓的“乡土乐”，早在与之全然不同的灵歌音乐中的乡土乐出现许多年以前已然问世了。

◎融合爵士乐（Fusion）
　　混合了两种或两种以上音乐形式的爵士乐，爵士摇滚 就是如此。

◎特约演奏（Gig）
　　爵士乐现场演出。

◎硬博普乐（Hard bop）
　　50个年代博普乐的一大进展，情感更加深沉，蓝调影响更多于原始博普乐的影响。

◎和声（Harmony）
　　乐律相关的音符---通常是指同一音阶或同一调的音符---在一起和谐自然地发挥；他与节奏、旋律合称爵士乐的主要组成部分。

◎即兴乐（Improv）
　　即兴演绎的音乐形式，其创作灵感并非仅仅依赖于爵士乐。

◎即兴演绎(Improvisation）
　　未经事先深思熟虑、自由演绎的旋律发展。或者完全自然天成，或者由某一部早已有之的乐曲旋律、和声或节奏演变而来。短小的独奏和全篇乐曲都可以即兴演绎：关键是自然。

◎连奏乐段（Legato）
　　流畅.与段奏乐段截然相反，后者音乐是断断续续的。

◎主流（Mainstream）
　　自20年代至今的经典、中间大路、未加电声处理的爵士乐。最初诸如博普乐、自由爵士乐和莫达尔（Modal ）爵士乐这样的革新化演奏风格甫一问世时，并不包括在主流音乐之中，但随着时光流逝，主流也向革新风格作出了一些让步。

◎莫达尔爵士乐（Modal）
　　50年代末发展成型的音乐形式，他是在一连串音阶或调式上作文章，而不是在和弦上即兴发挥；其中诸多调式应该是西方音乐中家喻户晓的音阶，或是比较深奥、历史悠久的调式。

◎现代派演奏者（Modernist）
　　这一术语大约用于过去的30年间，用来定义那些对现代爵士乐的所有形式都十分关注的乐手们；他们具有高瞻远瞩的目光，绝非鼠目寸光之徒。

◎音高（Pitch）
　　音符的位置，及音符的高低。

◎拨奏（Pizzicato）
　　手指演奏低音提琴等弦乐器的技巧。

◎复合节奏（Polyrhythm）
　　两个或两个以上彼此冲突的节奏同时演奏。

◎拉格泰姆乐（Ragtime）
　　爵士乐问世之前出现的一种切分音乐曲或称粗劣参差的音乐。

◎节奏（Rhythm）
　　音乐或强或弱、或长或短的节拍的组织。节奏是爵士乐与众不同的特色之一。

◎即兴重复段（Riff）
　　经多次反复演奏的短小、易上口的乐曲，或优美或富于节奏感。

◎音阶（Scale）
　　以或上升或下降的顺序排列一组音符的组织形式。

◎拟声唱法（Scat）
　　模拟乐器即兴演奏的一种歌唱方式。

◎灵歌爵士乐（Soul jazz）
　　60年代在硬性爵士乐基础上发展而来、源于福音歌的爵士乐。

◎演出必备的流行音乐（Standards）
　　流行歌曲，许多出自音乐片，是爵士乐的即兴演奏的基础。

◎跨跃弹奏法（Stride）
　　30年代的钢琴演奏风格，因演奏者左手跨跃的动作而得名。

◎摇摆舞曲（Swing）
　　乐手在常规节拍与强调音之间设置的张力，或在那个常规节拍之前，或在其后，摇摆乐曲在二、三十年代发展成型，不过所有的爵士乐都有这种摆动，那是古典音乐所未有的。

◎音质（Timbre）
　　乐器或人的声音的音调或音色。

◎传统爵士乐（Traditional jazz）
　　最初用于界定新奥尔良爵士乐，将他和摇摆舞曲区分开来。此后，传统爵士乐又用来描述40年代新奥尔良音乐和迪西兰德爵士乐的复生，以及50年代末英国模仿的爵士乐。

◎颤音（Vibrato）
　　通过迅速而轻微地颤动音调的音高，产生丰富的音调色彩。

第七部分：

【基督教与西方音乐】

一.中世纪前期的西方音乐就是基督教音乐西方音乐起源于古希腊。但是由于古希腊的音乐史料存留下来的极少，人们通常又把中世纪作为研究西方音乐的一个重要起点。

　　中世纪指的是欧洲封建社会，大约从公元 5世纪至 14世纪。中世纪欧洲的各种音乐机构如编写、研究机构，以及合唱队、学校等，全部隶属于教会，由神职人员管理。在中世纪的前期，西方音乐呈现出基督教音乐一花独放的局面。在这一时期，西方音乐是以教堂音乐为主要表现形式。

　　中世纪基督教音乐的代表是格列高利圣咏（ Gregorian Chant）。该圣咏出现在 6世纪，因罗马教皇格列高利（ GregoryI，在任 590－ 604）而得名。据说公元 6世纪时，各地教会音乐并不统一。格列高利一世致力于教会音乐的统一，将原有的各地教会的教仪歌曲、赞美歌等收集、选择、整理，编成一本《对唱歌集》（ Antiphonarium），并对调式及用法加以规定。格列高利圣咏由大量附有拉丁文歌词的单音音乐组成。它是一种忠实表达经文的歌曲，其旋律超脱、冷静、毫无人间的欲念。它并非为欣赏，而纯粹是为宗教礼仪所创作，是实用音乐，并不重视听觉上的美感，或俗乐的夸张。这种圣咏以纯人声演唱，没有乐器伴奏，不用变化和装饰音。它也没有节 线和拍子记号，完全是自由节 拍，歌词只用拉丁文。格列高利圣咏全都是天主教的礼仪歌曲，只供教士吟唱，会众不参加唱诗。

　　格列高利圣咏形成后，迅速传向各地，特别是在意大利北部、英国、爱尔兰、法国等地得到了普及发展。直到 14世纪，在天主教会中还只有格列高利圣咏。在今天的天主教会中，格列高利圣咏也常被采用。

　　格列高利圣咏作为欧洲封建社会初期的主体音乐，可以说是西方音乐文化中的第一朵花。它的发展与整个西方音乐史有密切的关系。在记谱法的研究、音乐理论、复音音乐的兴起与发展、音乐学校的成立等许多方面，都要提及格列高利圣咏，即使现代的调式音乐也是以格列高利圣咏的调式为基础。 　　格列高利圣咏中最富特征的旋律不仅长久地保存在中世纪作曲家的创作中，而且还保存在后来许多世纪的作曲家的创作中。我们在巴赫、莫扎特等人的作品中可以听到这些旋律，如莫扎特的《朱庇特交响曲》、李斯特的《死之舞》，柏辽兹的《幻想交响曲》第 5乐章 、圣·桑的附有管风琴和钢琴的《 C小调第三 交响曲》、拉赫玛尼诺夫的作品钢琴和管弦乐曲《帕格尼尼主题狂想曲》。流传至今的许多乐曲，如小步舞曲、军队进行曲，以及奏鸣曲第一乐章 等，都是由格列高利圣咏扩展而成。二 .产生在基督教背景下的复音音乐复音音乐就是由两个或更多互相独立的声部构成的音乐。这种音乐的产生，标志著西方音乐前进了一大步。复音音乐出现在中世纪基督教的背景之下，是由格列高利圣咏发展而成，其音乐家都是天主教会的僧侣。

　　早在7世纪初，在天主教会中就有些僧侣音乐家对在格列高利圣咏上加上另一声部的伴奏感兴趣，并进行了一些试验。但实际使用复音音乐是在 9世纪。
　　 　　当时，一些僧侣音乐家尝试在格列高利圣咏的下方加上一个平行四 度或五 度的声部，这一变化，就把格列高利圣咏的单音音乐变成了复音音乐。这种简单的复音形式称为“奥尔加农” (Organum，也有人译为平行调 )。奥尔加农产生于法国的利摩日，并且似乎一直被限制由少数演唱对答吟唱赞美诗和特定弥撒部分的技术高音的歌手所演唱。最初的奥尔加农多为二 声部，它在巴黎圣母院发展到了最高水平。在那里，第三 、甚至第四 声部被增加到原来的单旋律圣歌上。奥尔加农最著名的作曲家是巴黎圣母院的乐师雷翁南（ Leoninus，生活于 12世纪），他曾创作了大量的奥尔加农，其中最有名的一本歌集为《奥尔加农总集》，是按天主教全年节 日创作的，全部歌曲皆属于二 声部花腔式的奥尔加农。到了 11世纪末，有些僧侣音乐家又尝试把平行曲调加在圣咏的上方，由平行至斜行，渐渐又至反向进行。反向进行被肯定以后，复音音乐的另一种重要形式就产生了，这就是“笛斯康都”（ Discantus，也有人译为“反行调”）。笛斯康都以反向进行为原则，容许声部交错，并允许三 、六 度音程和经过音的进行，使旋律更加华丽。它多用于教会歌曲，主旋律多采用弥撒曲和每日祈祷经文中的旋律。笛斯康都盛行于法国，其最著名的作曲家是雷翁南的继承人，巴黎圣母院的乐师裴劳定（ Perotinus Magnus，约 1183-1236）。他的作品多超过两声部。

　　13世纪，复音音乐在基督教音乐中开始得到广泛使用。随著复音音乐的发展，又产生了两种新的多声部乐曲体裁复调合唱歌曲（ Polyphonic conductus）和经文歌（ Motet）。

　　复调合唱歌曲兴盛于 13世纪初，它的主要特点是突破了以往多声部中必须有一个声部使用格列高利圣咏的限制，各个声部皆由作曲家自由创作，自由进行，声部之间的节 奏大致相同。复调合唱歌曲的歌词通常是道德说教或礼仪性的，这种合唱曲似乎一直是为宗教或其它典礼的列队行进而准备的。

　　13世纪后期，复音音乐的新艺术又向前迈进了一大步，从奥尔加农中产生了经文歌。经文歌就是在圣咏曲调上加上一个或几个具有不同歌词的新的声部。

　　它最终取代了奥尔加农和复调合唱歌曲。

　　三.以基督教为主要内容的清唱剧产生于 17世纪初的清唱剧是一种大型声乐套曲，也是音乐会中演出的大型声乐作品，时至今日，许多作曲家还运用它来表现重大的历史或现实题材。

　　清唱剧虽然出现在世俗音乐迅速发展的文艺复兴后期，但它的产生与内容均与基督教密切相关。 　　13世纪时，因受圣方济各（ St. Francesco d‘Assisi）运动的影响 ,在意大利产生并流行一种赞歌，被称为神灵赞（ Landi Spirituali）。这是一种用流行的曲调和通俗化的歌词写的生活性的宗教歌曲。这些歌曲不在教堂演唱，而是在人们聚集一起作祈祷的罗马市民的家里演唱。稍后这种赞歌插入了对话形式，于是对话式的神灵赞就产生了。这种神灵赞以简单的和声，大众化的格调，由不同的歌队以对唱曲的形式唱出。

　　清唱剧就是把神灵赞戏剧化而产生的。有人认为 1600年在罗马上演的一部作品《灵魂与肉体的表现》是现存的最早清唱剧。也有人认为 1619年由阿奈利奥（ G. Francesco Anerio）创作的《神韵剧》才是第一部真正的清唱剧。

　　清唱剧的结构与歌剧的组成，大致相同：有抒情调、独唱二 重唱、朗诵调、合唱、序曲和其它器乐曲，也有故事情节 和角色的分配。不同之处在于：清唱剧中演员不化装、不表演、只歌唱，无舞台布景、灯光、道具，演唱者一直在台上，没有出入场和其它戏剧化的动作，整场演出自始至终不分幕，而只有章 节 之分，专有一名叙诵者，叙说情节 。此外，清唱剧中的合唱比歌剧多。

　　早期的清唱剧分为两种类型，一种是使用拉丁文的清唱剧，专以圣经为题材，属于真正的教会音乐，这种清唱剧到 17世纪后半期就消失了。另一种清唱剧使用的是意大利文，取材较自由，主要在音乐会上演唱 ,被称为通俗清唱剧。流传至今的清唱剧，就是后者。通俗清唱剧虽然不是教会礼仪音乐，然而几个世纪以来，大部分的清唱剧作品都是以基督教为主要内容。

　　17世纪最著名的清唱剧作曲家是意大利的卡里西米 (Carissimi, Giacomo, 1605-1674)和德国的许茨 (H. Schutz, 1585-1672)。卡里西米创作的 16首清唱剧，都是根据基督教的经典圣经写成的，其中较著名的有《耶弗他》、《所罗门断案》、《伯沙撒》和《最后审判》。许茨创作的清唱剧多以基督生平传略、圣经福音书为题材，被称为“受难清唱剧”，其中较著名的有：《复活节 清唱剧》、《十 字架上耶稣的七 言》、《圣诞节 的故事》。
　 　　继卡里西米和许茨以后，整个巴洛克时期（ 1600-1750）最杰出的清唱剧大师当数英籍德国作曲家亨德尔（ George Frideric Handel， 1685-1759）。亨德尔的创作主要是歌剧和清唱剧。亨德尔一生共创作了 32部清唱剧，大部分都是以圣经故事为题材。比较有影响，时至今日还经常上演的有：《扫罗》、《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《参孙》、《犹大·玛可白》、《约书亚》、《所罗门》。其中《弥赛亚》和《参孙》是举世公认的清唱剧中的经典之作。《弥赛亚》以圣经福音书为题材，叙述了耶稣的诞生、传福音、受难、被钉死十 字架及显圣复活的经历。这部清唱剧 1743年在伦敦音乐厅举行首演时，震撼了所有的观众，甚至英王乔治二 世在听完第二 幕终曲《哈利路亚》后，起立以示敬意，直至曲终。与亨德尔同时代的另一位杰出的音乐大师德国作曲家巴赫（ J. S. Bach, 1685-1750）也曾创作了数部卓越的受难清唱剧，如《约翰受难曲》、《马太受难曲》和《圣诞清唱剧》等，这些清唱剧的内容都取材于圣经四 福音书。

  奥地利著名作曲家海顿在声乐方面最突出的贡献就是清唱剧。他共创作了 5部清唱剧，大部分都有基督的内容，如《多比亚的归来》、《十字架的七言》、《创世记》等，其中以《创世记》最为著名。
　　《创世记》取材于弥尔顿的《失乐园》的第二章，叙述了上帝创世及亚当、夏娃堕落的故事。
　　近代欧洲伟大的音乐家贝多芬的唯一一部清唱剧《基督在橄榄山上》也是以基督教为主题创作的。

　　19世纪最杰出的清唱剧出自德国作曲家门德尔松之手。门德尔松共创作了 3部清唱剧，其中最著名的有《圣保罗》和《以利亚》。《以利亚》至今还在上演。他的第三 部清唱剧是《基督》，可惜没有完成。这3部清唱剧均取材于圣经故事。

　　19世纪以基督教为主要内容创作的清唱剧还有法国作曲家柏辽兹的《基督的童年》、匈牙利作曲家李斯特的《圣伊利沙白》和《基督》等。

　　20世纪许多著名的清唱剧仍以基督教为题材，如英国作曲家埃尔加《吉伦舍斯之梦》、沃尔顿创作的《白尔夏沙之宴》、美籍俄国作曲家斯特拉文斯基创作的《俄底浦斯王》、波兰作曲家彭德雷茨基创作的《圣路加受难曲》等。
　　 　　四.西方著名音乐家的基督教音乐创作基督教对西方音乐的影响 ,还表现在音乐家们创作的基督教音乐上。

　　14世纪西方最重要的音乐家当推法国的诗人兼作曲家马肖（ Guillaumede Machaut, 1300-1377）。马肖年轻时曾受过神学教育，并领受了神父的职位。他的作品中教会音乐占了很大的比重，其中主要是经文歌和弥撒曲。 14世纪最著名的一首教会音乐作品就是马肖创作的《圣母弥撒曲》，这是特别为法国国王加冕而作的一首 4声部合唱弥撒曲。

　　15世纪前半期最重要的作曲家迪费（ Guillaume Dufey， 1400-1474），也是一名天主教神父，他的弥撒曲保存至今的有 8首，其中最著名的有《 Ecce ancilla Domini》和《 Ave Regi na coelorum》。他所创作的经文歌，不仅数量多，而且很有深度，极虔诚，如为佛罗伦萨主教座堂而作的《 Nuper rosarum》，以及为拜占庭的没落而作的《君士坦丁堡的挽歌》。

　　15世纪后半期最负盛名的音乐家是两位佛兰芒作曲家欧克赫姆（ Johannes Ockeghem， 1430-1495）和德普雷（ Josquin des Prez， 1450-1521）。他们都创作了大量的教会音乐。欧克赫姆的作品中较著名的有《扩展弥撒曲》、《谁之声弥撒曲》和《第五 调式弥撒曲》，以及一首常被人提及的经文歌《感谢上主》。德普雷创作的教会音乐作品尚存至今的有约 30首弥撒曲和 100多首经文歌。其中以弥撒曲《 Pange lingua》、《武士弥撒曲》、经文歌《 Ave verum》、《万福马利亚》、《圣母悼歌》最为著名。

　　16世纪西方最杰出的音乐大师可说是比利时人拉萨斯（ Orlandus Lassus， 1532-1594）和意大利人帕莱斯特里纳（ Palestrina， 1525-1594）。拉萨斯曾创作了 52首弥撒曲、 100首圣母赞主歌，约 1200首经文歌和其它圣咏、悼歌。他的经文歌在音乐史上达到了登峰造极的地步。主要代表作有《安葬弥撒》、《忏悔圣咏》。帕莱斯特里纳曾被人称为“音乐之王”，其作品不仅优美动听，而且数量惊人，计有弥撒曲 103首，经文歌 330首，奉献曲 68首，赞歌 87首，圣母赞主歌 35首，哀歌 13首等。他的作品追求庄严肃穆的宗教气氛，被认为是最理想的礼仪音乐。

　　被誉为近代音乐之父的德国作曲家巴赫，是巴洛克时期（ 1600－ 1750）最伟大的音乐大师，也是最后一位把为教堂创作音乐视为最大关怀的伟大天才。在他的创作中，教会音乐占有很重要的地位。作为虔诚的新教教徒的巴赫，对教会音乐的主要贡献有：创作了 5首弥撒曲， 6首经文歌；为教会创作了 5年内每周礼仪所用的康塔塔（一种大型声乐套曲）共 200首；又创作了大量的管风琴曲，其中有 144首圣咏调。在这些作品中被视为巴赫代表作的是《 B小调弥撒曲》。

　　这首弥撒曲被认为是同类音乐中最深刻、最壮观、最杰出的范例之一。它包括传统的《天主矜怜颂》、《荣福经》、《信经》、《至圣经》、《羔羊经》 5个部分，共 24首分曲。其中渗透著新教的改革精神和人道主义思想。
　　 　　古典时代（ 1750-1820）最伟大的3位音乐家海顿、莫扎特、贝多芬都曾创作过教会音乐。海顿深受基督教音乐的薰陶。曾创作了 14首弥撒曲，其中以《纳尔逊弥撒曲》最有名。奥地利作曲家莫扎特一生共创作了 18首弥撒曲，较著名的有《 C小调弥撒曲》、《加冕弥撒曲》和《安魂弥撒曲》。他还创作了 8首康塔塔，其中以《忏悔的大卫》和《马松小康塔塔》最著名。他的经文歌《欢呼圣体》也很有名。贝多芬一生中虽只创作了两首弥撒曲，《 C大调弥撒曲》和《庄严弥撒曲》，《庄严弥撒曲》被贝多芬视为毕生的杰作，他完全是按著心灵的感受而创作的。这首弥撒曲虽然不是一首礼仪的圣乐，但却表现出强烈的宗教情绪，的确是一首崇高的宗教音乐作品。

　　进入浪漫主义时代（ 1820-1900）后，不少音乐家仍在创作基督教音乐。意大利著名作曲家罗西尼的后半生仅创作了两部作品，均为基督教音乐，一部为《圣母悼歌》，另一部为《小庄严弥撒曲》。奥地利作曲家舒伯特也创作过 6首弥撒曲和其它圣乐，其中以《 AB大调弥撒曲》和《圣母颂》最著名。他的《圣母颂》曲调柔美婉转，表达细腻丰富，抒发了对真善美的向往。法国作曲家柏辽兹创作的基督教音乐有《安魂弥撒曲》和《感恩曲》。德国作曲家门德尔松则对赞歌、颂歌和经文歌等合唱乐的创作感兴趣，他的最有名的一首圣乐为《赞颂西雍》。匈牙利作曲家李斯特一生都是虔诚的天主教徒。他曾创作过弥撒曲、圣咏等教会音乐，如《格兰弥撒曲》和《 UNGARISCHE KRONUNGS-MESSE》等。意大利作曲家威尔第创作了不少教会音乐作品。他的最著名的一首圣乐是《安魂弥撒曲》。该曲采用传统弥撒的体裁和词句，包括《安魂》、《愤怒的日子》、《奉献》、《至圣 G》、《上帝的羔羊》、《泪经》、《拯救我吧》 7个部分，具有催人泪下的巨大感染力。法国作曲家古诺的作品中以抒情歌剧和教会音乐最为出色。他最有名的一首弥撒曲是《圣则济利亚弥撒》，著名的梵帝冈国歌《教皇进行曲》也是他创作的。奥地利作曲家布鲁克纳创作的交响乐曲往往带有浓厚的宗教色彩和管风琴音乐效果 ,把对宗教的信仰，体现到极其宏伟的音乐形式之中，如他的《启示交响曲》和《悲剧交响曲》 (又称《教堂交响曲》 )。他创作的圣乐有《弥撒曲》、《安魂曲》和《感恩曲》等。德国作曲家勃拉姆斯也创作了不少合唱体裁的教会音乐，包括《德国安魂曲》、《感恩曲》、《弥撒曲》等。

　　20世纪以来，许多音乐家们从基督教中汲取灵感和创作激情，写出了不少优秀的基督教圣乐。斯特拉文斯基的《弥撒曲》是本世纪弥撒曲中的佼佼者，令人回 想起 14、 15世纪时的教会音乐。他的《诗篇交响曲》选择了圣经中的 3首赞美诗作为交响曲 3个乐章 声乐部分的唱词，这部巨作被作者称为“为上帝的荣耀而作”。法国作曲家普朗克的无伴奏合唱《 G小调弥撒曲》是他声乐作品中的杰作，代表了他声乐创作的最高水平。英国作曲家威廉斯的《圣诞颂歌幻想曲》、布里顿的《圣诞颂歌仪式》也属于本世纪优秀的基督教圣乐之列。此外，匈牙利作曲家柯达伊、英国作曲家沃尔顿、美国作曲家伯恩斯坦都创作了一些杰出的弥撒曲。

　　西方音乐之所以采用许多基督教的题材，主要在于西方的观众、听众对基督教非常熟悉，欣赏起来通俗易懂。如果我们对基督教缺乏了解，就不能全面、准确地把握和欣赏西方音乐。所以不管是从欣赏西方音乐的角度，还是从全面了解基督教的角度，研究基督教与西方音乐之间的关系都是必要的。

第八部分：

【轻音乐】

所谓轻音乐(LIGHT MUSIC)，是相对古典音乐而言的，即用通俗流行手法进行改编诠释，用小型乐队进行演奏，以营造温馨浪漫情调、轻松优美氛围为宗旨，带有休闲性质的一种通俗音乐。众所周知，古典音乐具有厚重的织体，庞大的结构和规模，凝重的乐思，深刻的思想内涵，最主要的特征是严肃端庄。轻音乐则相反，织体轻盈，结构小巧简单，节奏明快舒展，旋律优美动听。它没有什么深刻的思想内涵，也不想拥有这种内涵，只想带给人们轻松优美的享受，其主要的特征是轻松活泼。因此，把这种音乐命名为轻音乐是非常贴切的。但轻音乐也不等同于以流行歌曲为核心的流行音乐。它不像流行音乐那般具有鲜明的时代特征和对社会的批判意识而显得温文尔雅，也不像流行音乐那般媚俗、煽情耳。至今，很多热门歌曲已经被人们忘记，但轻音乐改编曲却留在了人们脑海中。　　欧美电影尤其是好莱坞电影、音乐剧、舞台剧的主题音乐或插曲，是轻音乐的另一个重要改编来源。像《月亮河》、《时光流逝》、《雨点不断地掉在我头上》、《泉水里的三枚硬币》、《说你，说我》、《爱情故事》、《教父》、《日瓦哥医生》，《阿根廷，别为我哭泣》、《回忆》等乐曲，都已成为轻音乐的经典曲目用通俗音乐语言诠释古典名曲，这是很多轻音乐乐队都十分热衷的。好的改编和演奏，既保留了原曲的古典精神，又融入了鲜明的现代气息，古典音乐迷不嫌浅薄而感到别有韵味；那些对古典音乐敬而远之的人则发现与古典音乐的距离缩短了，提高了欣赏兴趣。改编成轻音乐的巴赫《圣母颂》、舒伯特《小夜曲》、莫扎特《第二十一号钢琴协奏曲》、贝多芬《月光》、《悲怆》奏鸣曲中的柔板、李斯特《爱之梦》、斯美塔那《伏尔塔瓦河》、马思涅《冥想曲》、肖邦《即兴幻想曲》等，听来别具一格，满耳生辉。

世界各地的民族民间音乐也是轻音乐的改编对象。如英国的《夏天最后一朵玫瑰》，意大利的《重归苏莲托》、《桑塔.露琪亚》，罗马尼亚的《霍拉舞曲》、加拿大的《红河谷》、美国的《牧场上的家》、古巴的《鸽子》、吉普赛的《流浪者之歌》和拉丁音乐等。此外，一些广为流传的浪漫小曲如《少女的祈祷》、《爱的浪漫曲》、《绿袖》等也是轻音乐乐队经常演奏的曲目。

独特的韵味和美感
轻音乐所具有的韵味和美感既不同于古典音乐，也不同于流行音乐。动人的旋律、优美的和声、新颖的配器、丰富的音色、浓郁的浪漫情调都给人以全新的感受，产生了轻音乐特有的美感。曼陀瓦尼乐队演奏的《魅力》(chanmaine)这首乐曲，集中体现了这种美感。那极其悦耳动听的音响，像醉人的芳液一般流进人们的心中，令人情不自禁地在心中喊到：“太美了”!该乐队演奏的《时光流逝》、《秋叶》、《昨天》等乐曲带给人的美感也是难以用言语来表达的。听保罗·莫里亚乐队的演奏，令人感到每个音符都渗透着法兰西民族特有的浪漫情调，让你联想到葡萄酒、玫瑰、郁金香的芬香；地中海的阳光，情人的欢笑和眼泪。他把各种浪漫的情思和生活中的诗意展现出来，令人产生了强烈的共鸣。他的成名作《爱情是蓝色的》，自60年代轰动欧美后，经久不衰，成为轻音乐乐队争相演奏的曲目。而詹姆士·拉斯特乐队演奏的《莫斯科郊外的晚上》所具有的美感也是原歌曲无法替代的：随着吉他轻轻弹拨出几个分解和弦，在打击乐器奏出的明快节奏的映衬下，三角琴轻柔委婉地弹出了歌曲的主旋律。接着优美的混声合唱伴随着弦乐的延伸轻轻响起，时强时弱，时远时近，把人们带入遥远的、充满温馨浪漫情调的俄罗斯夜晚之中，整个乐曲如梦如幻，美不胜收。如果说听交响乐像是在观赏戏剧，那么听轻音乐就像是在读一首首优美的小诗、观一幅幅色泽淡雅的风景画，令人赏心悦耳，心旷神怡。

新颖、别具一格的改编手法
轻音乐乐队的指挥大都精通古典音乐，会演奏多种乐器。他们既是乐队的指挥者，也是乐曲的编配者。轻音乐所具有的独特魅力，在很大程度上归功于他们对原曲进行的这种带有创作性质的编配。其中最经常使用的手法是对原曲的节奏、速度、力度、节拍等音乐要素进行重新处理，比较常见的是赋予古典音乐以拉丁舞曲和爵士、摇滚、迪斯科音乐的节奏，通过打击乐器加强原曲的节奏特征和节拍重音等，使乐曲的形式与内容产生了强烈对比。如用迪斯科节奏来演奏莫扎特的小夜曲，用探戈节奏来演奏勃拉姆斯的匈亚利舞曲，用桑巴、恰恰、伦巴的节奏来演奏德沃夏克的斯拉夫舞曲、奥芬巴赫的船歌等，听来热情奔放，极富有感染力。对一些原本节奏激烈的流行歌曲则采取慢节奏进行“柔化”处理，进而产生一种新的听感。丰富多彩、别具一格的配器，是轻音乐改编的另一种主要手法。一是喜爱使用一些不登大雅之堂的民间乐器，如曼陀玲、西班牙吉他、口琴、手风琴等，并经常让其演奏主旋律，以此来营造特殊的音乐情调和氛围，并与传统的管弦乐器形成音色上的对比，使音响富于变化而丰富多彩。二是喜爱使用各种打击乐器，如木琴、小军鼓、爵士鼓、铃鼓、三角铁、碰铃、沙锤等，还使用一些富有特色的民族民间打击乐器，使音响生动活泼，极有感官上的冲击力。三是通过加入电声乐器来丰富乐队的音色和增加音响的现代气息。电子乐器与打击乐器、传统的弦乐器完美地融合在一起，营造出一种晶亮轻盈、生动明快的音响效果。四是通过加入无词的人声哼唱来烘托优美的音乐氛围。这方面詹姆土·拉斯特是开先河者，他的乐队专门设有一个混声合唱队，演奏中，伴随着具有现代气息的节奏，动人的无词混声哼唱与乐队演奏的优美旋律交替出现，时起时落，极为优美动听。如该乐队演奏的贝多芬《致爱丽丝》、奥芬巴赫《船歌》等曲，都加入了男女混声无词哼唱，听来韵味独特，美不胜收。

轻音乐的录音制品
80年代以来，轻音乐的演奏逐渐向个人化方向发展，乐队的核心已经不是指挥，而是某一种乐器的演奏明星；乐队也由原先的演奏主体转变为演奏的配角。有的轻音乐乐队则兼收并蓄，将交响乐、流行音乐、爵士乐、摇滚乐、新世纪音乐融为一体，与传统的轻音乐乐队已有很大的差别。这类可称为“新轻音乐”的唱片很多，但除了理查德·克莱德曼(钢琴)、肯尼基《萨克斯》、比尔克(单簧管)、莫地亚与奥汀(陶笛与大提琴)、赞菲尔(排萧)、雅尼等人及乐队录制的唱片外，大多数唱片“沙龙味”较浓，不能给人以高层次的审美享受。　　要听正宗的轻音乐，首选的仍然是3大轻音乐乐队。事实上，这3个乐队的唱片在国内已占据了主流地位。其中曼托瓦尼乐队的唱片大多由DECCA公司出品，主要是50、60年代的录音。去年DECCA公司发行了一套两张的曼托瓦尼金曲集，汇集了曼托瓦尼乐队演奏的最精彩的29首金曲，是收藏的珍品。一些欧美小唱片公司和日本唱片公司也出品了不少该乐队的唱片。詹姆士·拉斯特乐队是环球公司(原宝丽金)旗下的专属乐队，几十年来录制了大量精美唱片，仅在国内能见到的就有30多款，是录音制品最多的一个轻音乐乐队。保罗·莫里亚乐队的唱片由PHILIPS公司录制，数量也较多，而且有不少近几年新录制的唱片，录音水准也较高，音响效果极佳。其他著名轻音乐乐队，如亨利·曼西尼乐队、阿尔弗雷德·豪泽乐队、斯坦利·布莱克乐队、科特·埃德勒哈根乐队、黑塞乐队的唱片也有不少进入了中国，但目前已不容易见到。

人体声音生理学为基础的发声法【音乐教室】

曾经有人请教歌王卡罗索（Caruso），在声乐艺术上什么是最重要的？卡罗索回答道：“第一是声音，第二是声音，第三也是声音”。这里所说的声音，以现代人体声音生理学方法分析，第一项所说的声音就是“有强有弱的声音”，第二项所说的声音就是“有音色变化的声音”，第三项所说的声音就是“有感性的声音”，这三点也正是我们学习声乐最重要的条件，一个人在他的声乐艺术中，若具备了这三个条件，那么他的声乐造诣是相当高的。而所谓“有强有弱的声音”就是我们所要研究的声音共鸣的方法，并不是大声嘶喊的声音就是好，必须要有良好的共鸣，他的声音自然就会大声。所谓“有音色变化的声音”就是我们要探究声带的弹性的问题。而所谓“有感性的声音”，正是我们要仔细探讨呼吸的位置的范围。现在我们针对这三个范畴逐条概略加以分析：

一、“有强有弱的声音”--声音共鸣的方法

首先我们看到附图，人体声音共鸣区共分为三个部分，亦即三个共鸣区（DIE、DREI、RESONANZEN），第一共鸣区是头部后脑和头颈以及肩部位置，第二共鸣区是前额、鼻腔及上额部位置，第三共鸣区是胸腔位置。第一共鸣区又肩负调整歌唱音域的位置，高音应当在后脑部及头顶部，中音在后脑枕部，低音在额头及肩部，那才是正确的，通常一个人所发出的声音高、中音还好，可是一到低音就散掉了，没有共鸣，原因出在没把低音让它在头部肩部共鸣，这必须经过严格训练的人才能做到，没有经过严格训练就能做到那是绝无仅有，除非他是天才。至于女高音（Soprano）就有一些不同，女高音的低音要让它在下巴部位共鸣才是正确的，这点和别的声部有所不同。其次第三共鸣区是最重要的声音共鸣区，它是声音的基础，被称为基础音，它的重要性有如房屋的基础。我们亚洲人和欧洲人由于体格和生活习惯的不同，天生所发出的声音就缺乏第三共鸣区，欧洲人体型高大，胸部宽广，发出的声音胸声自然发达，而且由于欧洲人的生活习惯和我们有所不同，他们大多习惯爬着睡，婴儿刚出生就叫他俯睡，因此腹腔后部（后腰部）发声自然发达，因而欧洲人发声天生就有共鸣区，无须经过学习，自然就会。但是我们亚洲人必须经过后天刻意严格的训练方能得到第三共鸣区，想得到第三共鸣区通常要经过至少两年以上的勤练，男高音需要更久，至少三年以上，如此唱出的声音才有根，正如竹子的生长，因为它有很扎实的根部，吸收地下各种养分，所以能挺拔强韧，不畏强风暴雨。相反的，没有第三共鸣区做基础的声音，好比一棵豆苗，没有茂盛的根，风一吹就倾倒，不能开花结果。早期日本人他们到欧洲学习声乐，由于欧洲的教授他们没有了解到亚洲人先天的特性，他们只教日本人第一及第二共鸣区，因此日本留学生唱出来的声音就缺少了这一个最重要的共鸣区，唱出来的声音十分单薄，没有底盘，然后代代相传下来，现在依然如此。本人以前也是这样的唱法，可是一到欧洲，想要在那边立足，唯有接受此种世界性的带有第三共鸣区的唱法，没有第三共鸣区的声音，缺乏厚度和温暖的浓度，男生听起来不男不女，女声听起来轻飘飘毫无艺术价值，所以说第三共鸣区是非常重要的，第一共鸣区、第二共鸣区不是“发声点”，如果把第三共鸣区的位置移到背部，和第一共鸣区及第二共鸣区连结在一起，则形成了人体的乐器，发出的声音则共鸣丰满圆润，反之则声音单薄干涩尖锐不堪入耳，有些人以为第二共鸣区只是在眉间一共鸣点，其实这是大错特错，第二共鸣区是由好几个共鸣点串连起来的，亦即眉间、鼻梁、鼻尖、上腭、下腭、牙齿、观骨等。其次，要想做到有强有弱的声音，必须先要了解声音“前面”和“后面”的问题，要想明了声音“前面”和“后面”的问题，要先明白“开母音”（Aperto）和“闭母音”（Accuto）的关系，“开母音”就用前面来唱，“闭母音”就以后面来唱，所谓前面就是第二共鸣区加上第三共鸣区唱出开的声音（Aperto）。所谓“后面”就是第三共鸣区和第二共鸣区再加上第一共鸣区唱出盖（或称闭）的声音（Accuto）。通常男高音“过门”（passage）的声音亦即“开的极限音”在f2，男中音在e2，男低音在d2，女高音在g2，女中音在f2，女低音在e2，一超过这个音就要盖，否则声音变得粗暴、不健康，严重损害声带，会缩短声乐的寿命，像现在日本，尤其是大陆，虽然他们有各种唱腔，能唱出各种不同的风格和个性，可是毕竟没有以第三共鸣区、没有以开盖这种合乎人体声音生理学为基础的声音是不健康的。其实在这个世界上，发声法只有一种，那就是健康的发声法，不管是什么民族，操着什么语言都是如此，因为人体的构造都是相同的。现在大陆上的声乐家他们以为人一到五十岁退休是理所当然的，须知一个人的声音在五十岁才能达到颠峰，不管是对声音的运用以及对人生锥心泣血的体验，才能感动别人，正如文学家是以文学作工具来感动人，而声乐家用来感动人的工具正是声音，人生五十才开始。在欧洲，一流的声乐家到五十岁才唱好的不胜枚举，甚至到七十岁照唱不误的亦大有人在，绝不输给年纪轻轻的人。其次，一个优秀的声乐家，他必须要把声音的渐强、渐弱做得非常好，这样，当他临场演唱时才不致慌张，才有安全感。要唱渐强时先要把声音的芯抓到，然后以此芯作为发声点，将气在第三共鸣区内扩散膨胀，使它好象变成气球，之后，把它推向背部及后腰部增加其气压，同时加入第二共鸣区，此时声音的芯要保持好，不可失去。渐弱时只要把气压逐渐减少，抓紧声音的芯，使声音回到胸口发声点，然后用气息切除声音，使之停止，此时下腹往上的力量必须增大两倍，否则无法使声音回到胸口发声点，当然这些要靠经年累月的苦练方能领悟，舍苦练别无他途。

二、“有音色变化的声音”--声带的弹性问题

声带分为三个部分。第一部分叫“声韧带”，这是两片声带的尖端，犹如声带的皮肤，由它通过气息的冲击振动发出声音，这是比较强韧的部位，较不容易受伤发炎。第二部分叫“声唇”，若发声时声唇D紧声韧带，和声韧带同时振动发声，则声带容易受伤发炎，甚至肿胀出血，有些人发声时由于声唇过分避紧声韧带，以至气息无法经由声韧带正常平衡摩擦振动发声，造成声音憋住出不来。遇到这种情形，我们只要把第一部分的声韧带尽量并拢，将第二部分的声唇连同第三部分的声带肌肉--“纵走筋束”向两边撑开，不使声带的肌肉同时参加振动，如此即为健康的方法，也较能持久不受损伤。如果我们拿一根约一公尺塑胶管向四面八方摔转，则会发出鸣鸣声响，若我们把这根塑胶管出口处用橡皮筋绑紧使之出口处变小，那么它所发出的声响必然声音较高，这就是声带的发声原理。声带的运动可分前端和后端两个部分来说明，声带的前端是长在喉结的下方约0.3公分的地方（甲状软骨），然后连到后端，靠“披裂软骨”来扭转声带使声带拉长，拉长时的方向是前端要向下后端向后扭转。如此拉长后声带的长度则比原来未拉长前长上1/3或1/2。一个婴儿刚出生，他的声带后端是非常发达的，可是以后受到语言子音的影响，这时声带后端慢慢退化，前端反而发达起来，所以我们练习歌词咬字必须明白要把子音和母音分解开来，子音用前端，母音用后端以“S”或“C”加上母音（即Sa、Se、Si、So、Su、Ca、Ce、Ci、Co、Cu或Pra、Pre、Pri、Pro、Pru）来练习效果较佳，亦即子音往前送，母音向后送。声带的后端远比前端更重要，也常被一般人所忽略，甚或不能接受弃而不用，这是多么可惜。要感觉声带后端（披裂软骨）的位置，它是在于食道入口处，当我们吞咽东西时，披裂软骨就会跟着扭转，所以我们把吞咽时的感觉用来发声那就是正确的，其实一般人所说的“美声唱法”（Bel Canto）只是讲他的“结果”，并没有把它的“过程”讲出来，今天我们作这个研究就是要把这个“过程”探讨出来。其次谈到“轮状喉头肌”，轮状喉头肌长在上部食道的前面，当我们用手去压迫胸骨及气管上方凹陷处，就会有咳嗽会痒的感觉，这个部位就是轮状喉头肌的位置。至于如何去感觉声韧带并拢的技巧，只要我们吸气时故意发出声音，以这种感觉来发声那就对了，这个位置就是正确的发声的位置。在此我要将声带后端再次加以说明，一只狗在叫的时候是用后脑头腔来共鸣的，它们用这种声音来传递感情讯息，这种声音可传得非常远，绝不是用声带前端，我们人类也是动物，当然用这种方法来传递情感讯息更能被人接受，而这种声音是具有感性的，一个小孩子如果从小就训练他用声带后端来发声唱歌，以后长大了必能成为一流的声乐家，例如维也纳童声合唱团他们就是用声带后端来唱的，所以和声非常协和甜美，不像我们台湾各小学的合唱团，当然也有好的，不过太少，绝大多数是用声带前端来唱，所以声音刺耳，尖锐和声（Harmony）不协和，毫无美感，好象在吵架，原因就出在此。我们也常看到每年音乐比赛的时候，得到各县市第一名的国小合唱团声音竟也那么尖锐毫无和声之美，这或许和评审的鉴赏能力有关，因为评审本身就没有这种什么才是好的童声、什么才是不好的童声的素养，把他聘请来担任评审，他如何能节选出哪一队才是正确的童声合唱团。那么要怎么样才能把儿童合唱团的声音训练好？首先我们要明了，合唱团不同于独唱，合唱要讲求团体的声音效果，个人声音不可突出，那么和声（harmony）是合唱的特点，所以合唱团第一要任务就是追求和声之美，如何才能获得和声之美？那就是要以声带后端先用小声以“J”母音来唱和声，音色尽量暗些，绝不可唱亮，独唱可以亮，可是合唱一亮声音就无法呵紧，显得松散缺乏感情，声音尽量往后送，这样才能获得优美、具有感情浓度的童声合唱。在国内我听过很多儿童合唱团的演唱，但是很少有有一个团的声音是正确的，在此我特别推介一个儿童合唱团，他们的声音是正确的，这一团是“高雄市天主教增德儿童合唱团”，他们的指挥石高额老师跟我学习声乐近十载，已能领悟我所传授的声乐的精髓，他就是采用了我所说的以声带后端发声的唱法来训练儿童合唱团的，所以声音效果就显著的不同。

三、“有感性的声音”--呼吸的位置

首先来谈谈吸气，吸气的时候五个部位要同时进行参加吸气工作。（一）、气管上部（轮状软骨或鼻腔）要缩小，用“I”母音使声韧带并拢，保持紧张状态；（二）、胸部（胸骨）要向左右扩张；（三）、背部（肩胛骨）向外扩张；（四）、腰部（末位肋骨）向外扩张；（五）、腹部（肚脐以上叫上腹，肚脐以下叫小腹）上腹向前撑开，以保护横膈膜，小腹向内向上收缩。这五个动作必须在紧张状态下进行，不可松弛。其次呼气时的动作仍然和吸气时的形态（Form）是一样的，缩紧肛门，上腹向前撑开，小腹使劲使气往内向上推送。其次谈到“气压”的问题，我们在一个茶壶里装满水，下面用火加热，当水沸腾的时候蒸气会推动茶壶盖，使茶壶盖上下抖动，但是我们如果在茶壶内装上一个笛子，水沸腾后水蒸气就会从笛子排出，发出声响，这个原理和我们发声原理是相同的，这个笛子就是气管后端所发出的声音，我们以“U”母音来练习较能体会出来，使上面的气（胸部、肩部）及下面的气（腹部、腰部）保持紧迫状态后，上面的气纹风不动，挡住气，使声唇撑开，然后下面的气往内向上输送，使维持平衡状态，要唱之前提前一秒钟作准备，然后再发出声音，这就是正确的呼吸，也唯有这种方法才能发出感性的声音。

四、歌唱技巧--实际演练

歌唱技巧在讲求母音和子音的发声方法以及母音和子音之分离（揭开），五个母音a、e、i、o、u对声门的闭合和张开均有所不同，“a”声门是完全打开的，“e”声门半开，“i”声门关闭，“o”声门半开，“u”则声唇张开，声门韧带关闭。在这五个母音之中以“u”母音的开合状态是最健康，所以要把“u”以外的四个母音保持相同与“u”的发声位置来发声，用暗一点的音色，只用一半的声音用声带后端来唱，其中唱“i”母音时要保持“a”母音的位置，“e”母音很容易位置移上去，要尽量避免，须知吾人唱歌时是以传达母音为主。至于子音由于它是缺乏感性的声音，它只是母音的附庸，我们要多练习母音和子音揭开的方法，这种方法已如前述以“中庸的声音”（mezzavoce）用S、C或Pr加上母音来练习，效果甚佳，练唱练习曲应当多用“中庸的声音”来唱，其它不论是唱长音或歌曲也依然如此，试想，如果要演唱整个歌剧，从头声音拼到尾，任谁也吃不消。

五、结论

以往学习声乐，不论是国内或国外一概讲求“悟道”，老师怎么唱，学生就跟着怎么唱，只要模仿就行了，三年、五年、十年过去了，悟性高的学到了功夫，得道多助，悟性低的，只有半途而废，放弃艺途，对于声乐的科学理论基础付之阙如。有很多的人天生有一幅好嗓子，可是不会妥善运用，功亏一篑，殊多可惜！德国在１９６０年代，掀起了研究美声唱法狂热，欲想以人体声音生理学为基础，对于人体的发声器官，以科学的方法归纳出一套完整的理论体系，以帮助学习声乐的人早日揭开声乐的奥秘，当时医学界和声乐界破天荒首度合作，蔚成一股共同研究的风潮，因此，才有今天我所采用的对于发声方法的理论基础，以及本人数十年来苦练所获得的心得结晶，这便是以上我所画龙添晴概略性的阐释，当然挂一漏万之处在所难免，而这一切都要感谢我的恩师－－德国人体声音生理学权威Dr.Schutt先生的热心指引，但愿这套方法能对国内钻研声乐的莘莘学子有所裨益，多造就一些一流的声乐家

音乐常识－乐曲分类 

交响曲 Symphony 
大型管弦乐套曲。从意大利歌剧序曲演变而成，至十八世纪后半期发展成独立管弦乐作品。通常包含四个乐章（有时冠以慢板引子），亦有少于或多于四个乐章者。各乐章的体裁与奏鸣曲相似，但规模较大，音乐主题有较大发展，管弦乐法亦较为丰富，适于表现戏剧性较强的内容。早期交响曲大多没有标题，十九世纪以来，标题交响乐兴起。加用声乐的交响乐，始于贝多芬《第九交响乐》。 


协奏曲 Concerto 
原指十六世纪意大利的一种有乐器伴奏的合唱曲，以别于无伴奏合唱。十七世纪后半期起，指由几件或一件独奏乐器，与一小型弦乐队互相竞奏的器乐套曲。近代协奏曲为一件独奏乐器与管弦乐队协同演出的大型乐曲，其形式与结构为莫扎特确立。 


练习曲 Estudio 
锻炼乐器演奏技术的乐曲。供艺术表演的练习曲又称“音乐会练习曲”。 


狂想曲 Rhapsody 

始于十九世纪初的一种史诗性器乐曲。富有民族特色或直接采用民间曲调。如李斯特《匈牙利狂想曲》十九首、拉威尔《西班牙狂想曲》。 


无词歌 Lieder ohne Worte 

又作“无言歌”。一种抒情的小型器乐曲。主要是钢琴曲。常用主调音乐手法写成，旋律富于歌唱性。门德尔松 创用此名。 

变奏曲 Variation 

以同一主题(Theme)作一连串变奏的乐曲。在每个变奏中，同旋律会以不同和声，节奏，速度，加减音符甚至倒弹出现。 

交响诗 Symphonic Poem 

浪漫时期的一种单乐章管弦乐曲。 


奏鸣曲 Sonata 

意大利文声响的意思，有别于歌唱的声音。奏鸣曲是一种专为某种乐器而写的音乐。除了钢琴奏鸣曲以外，大多数的奏鸣曲都有钢琴伴奏，但也有巴罗克时期的三重奏鸣曲(Trio Sonata)是为三件乐器而写的(其实是四人合奏的，但伴奏者不算在内)。Rondo:回旋曲 古典时期一种节奏轻快的曲式。其中的主要乐段会与其他乐段轮替出现。回旋曲大多出现于协奏曲或奏鸣曲的终结乐章，但也会独立乐曲的形式出现。 

歌剧 Opera 

谱成音乐的戏剧，音乐，台词和剧情都具有同等的重要性。四百年来歌剧艺术衍生出不同的类型：严肃歌剧(Opera Seria)，诙谐歌剧(Opera Buffa)，美声歌剧(Bel Canto Opera)，轻歌剧(Operetta)，德国轻歌剧(Singspiel)，乐剧(Music Drama)和法国喜剧歌剧(Opera Comique)等。 

外国音乐的主要流派

西欧音乐在古希腊时曾一度兴盛，但到中世纪，音乐被教会和封建统治阶级所垄断，成为他们宣传宗教、麻痹人民、巩固封建统治的工具，专业作品大多是教堂用的圣咏曲。
    到十六、十七世纪随着资本主义的兴起，器乐曲、歌剧相继出现，音乐才开始进入剧场，转向市民。到十八世纪，音乐逐渐摆脱宗教的束缚，作曲家受文艺复兴思想的影响，作品逐渐着重人性的体现和人民生活的反映，创作技法也日趋丰富和精深，遂开始西欧古典音乐黄金时代。

    随着资本主义工业的发达，乐器也逐步改进和完善，广大群众成为演出的对象，加上资产阶级革命思想的影响，音乐艺术获得很大发展。从十八世纪到二十世纪的今天，短短二、三百年间，对世界音乐具有深远影响的大音乐家辈出，闻名世界的优秀的音乐作品（名著）也大量产生。在创作思想和音乐风格的先后变化方面，则形成不同的流派。     

    主要有古典乐派"（十八世纪），浪漫乐派（十九世纪），民族乐派（十九世纪下半叶），和二十世纪起至今的现代乐派（包括十九、二十世纪之交的印象乐派与二十世纪的表现主义、原始主义、新古典主义、十二音体系、序列音乐、具体育乐等形形色色的流派）。

    历史上著名的音乐家基本上分属于各个不同的流派，但也有兼具不同流派的特点或先后进行不伺流派音乐的创作的。即便是同属于一个流派的作曲家，他们的作品也是各有其民族特点和个人音乐风格特色的。

（一）古典乐派     

    出现于十八世纪初到十九世纪二十年代。     

    主要作曲家有亨德尔、巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬及歌剧作曲家格鲁格等人。他们受资产阶级启蒙运动和资产阶级革命思想的影响，其音乐创作力图摆脱教会和封建宫廷的束缚，倾向自由、民主和人造主义。作品着重体现新兴的市民阶层的精神面貌。     

    创作方法讲究乐曲的结构严谨、形式完美、昔响和谐与逻辑严密。曲风大都淳朴、严肃、稳重，崇尚理性，而对情感的表现较含蓄内在，器乐曲多是无标题音乐。赋格曲、奏鸣曲式、交响曲、室内乐以及歌剧等体裁和曲式均于此时期奠定了完美的基础。     

    其中巴赫主要进行复调音乐写作；亨德尔用主调与复调；海顿、莫扎特与贝多芬则着重主调音乐的写作，其中贝多芬更着重主观激情的表现，重视器乐的标题性，他是古典乐派向浪漫乐派发展的先驱。海顿、莫扎特与贝多芬被称为"维也纳古典乐派"。

（二）浪漫乐派     

    “浪漫”（Romance）二字是译音，它源于中古时期描写神话、英雄与美人的文艺作品。十八世纪德国文学常以此为题材。到十八世纪未法国资产阶级革命失败，封建君主复辟，音乐家对现实不满，又找不到明确的出路，精神苦闷，于是在文学的影响下，十九世纪的作曲家也走向浪漫主义。作品倾向于以古代传说和神话、幻想故事为题材，或着重于生活现象的描绘、个人生活感受的细致体现。音乐着重感情的抒发和心理的刻划，而不象古典主义着重理性。他们认为文艺有共性，廊以提倡诗歌、戏剧与音乐的结合和音乐的标题性，注重音乐中的诗情画意，而对曲式结构则较灵活。

    浪漫乐派音乐家们，根据内容表现的需要创造了很多秤体裁形式，如：无言歌、夜曲、叙事曲、小品套曲，音乐会序曲、交响诗、抒情歌曲、声乐套曲等。他们在创作手法方面则重视民族、民间音调的运用，音乐节奏比之古典主义更加复杂而细致，和声手法更加丰富，管弦乐队的编制及配器法到柏辽兹、瓦格纳手中更加发展。     

    浪漫主义乐派的代表人物，前期有舒伯特、门德尔松、舒曼、肖邦和歌剧作曲家韦伯、罗西尼、威尔第等人；同时期和中期的作曲家有柏辽兹、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等人，俄国的柴可夫斯基也属浪漫乐派；在近、现代（十九世纪末一二十世纪）的现代乐派中，还有马勒、理查·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫等人，他们可以说是浪漫乐派的最后几个代表人物。浪漫乐派著名的作曲家还有去诺、比才、约翰·施特劳斯、圣－桑等人。

（三）民族乐派

    十九世纪中叶，东欧、北欧和俄罗斯作曲家在吸取西欧浪漫主义音乐创作经验的同时，着重民族音乐的建立和发展。他们努力创作既具有本国民族音乐特色，又能表现本民族的性格、愿望和生活的音乐作品。这些民族乐派的作曲家主要有俄罗斯的格林卡与，“强力集团”（以发展俄罗斯民族音乐为主旨的作曲家集团，包括有：巴技基列夫、居伊、鲍罗丁、里姆斯基一柯萨科夫、穆索尔斯基等五人）及捷克的斯美塔那、德沃夏克；挪威的格里格5芬兰的西贝柳斯等。波兰的肖邦和匈牙利的李斯特则兼属浪漫乐派与民族乐派。

（四）现代乐派     

   “现代乐派”这个名称是十九世纪未到现在的音乐艺术的各种流派的总称。其中除了仍有继承古典--浪漫音乐传统进行创作（包括“社会主义现实主义”）的作曲家外，专业创作出现许多反浪漫主义的新流派。“xx主义”、“xx音乐”，名目繁多，总的趋向是从多调性走向无调性，以至否定乐音和音阶，只用自然音响，完全脱离古典的美学传统。如果将它们按出现和流派的先后分类，可以分为历史的三个时期。现将各时期的主要流派和各流派的代表作曲家罗列如下，以便了解二十世纪欧美音乐概况：

    1．从十九世纪末一第一次世界大战前后（可称"近代音乐"时期）

   （1）晚期浪漫主义。主要作家有：理查·施特劳斯（德）、马勒（奥）、拉赫玛尼诺夫（俄）。

   （2）印象主义（主张用音乐描绘从外界得来的瞬息印象，重视和声色彩）。主要作家有：德彪西（法）、拉威尔（法）、杜卡（法）、雷斯庇基（意）。

   （3）表现主义（主张用音乐表现人们内心的下意识冲动或欲望、幻觉、梦魇等）。主要作家有：勋伯格（奥）、贝尔格（奥）、威勃恩（奥）、巴尔托克（匈），斯克里亚宾（俄）。（勋伯格与威勃恩又是无调性音乐的创始人，他们与贝尔格被称为"新维也纳乐派"）。

    2．从第一次世界大战--第二次世界大战（可称"新音乐"时期）

    （1）原始主义（重视民间音乐，追求原始性的神秘色彩和野蛮风格，而和声则是现代的）。主要作家有：巴尔托克（匈）、斯特拉文斯基（俄）。

   （2）新即物主义（强调“音乐即音乐”，，可以用音乐表现客观事物，但反对用音乐表现主观思想的感情）。主要作家有：米约（法）、兴德米特（德）。

   （3）新古典主义（反对着重感情表现的浪漫主义，主张回到右典主义，着重音乐自身的形式美，乐曲结构简朴、内容清晰，和声与复调很新颖，音乐富于客观性）。主要作家有：斯特拉文斯基（俄）、兴德米特（德）。

   （4）六人团（法国青年革新派、反印象主义和反浪漫主义）。作家有：萨蒂（法）、奥涅格（法）、米约（法）、弗朗克（法）、奥里克（法）、泰勒费（法）。

    （5）十二音主义（又名“十二音体系”，十二个音同等重要。无所谓“调式”、“调性”和“主音”，十二个音任意先后排列，但不得重复。再次出现时，有严格的顺序原则。其和声用音也依此序列原则，无所谓"三和弦"）。作家有：勋伯格（奥）、贝尔格（奥）。

   （6）社会主义现实主义（基本继承古典音乐传统而加创新，主张用音乐反映社会主义）。主要作家有：普罗耳菲耶夫（苏）、肖斯塔科维奇（苏）。

    3．从第二次世界大战结束至今（“先锋派音乐”）

   （1）序列音乐（序列主义，除十二个音序列化外，，乐曲的节奏力度等也序列化）。主要作家有：梅西安（法）、布列（法）、诺诺（意），施托克豪森（德）、斯特拉文斯基（俄）。

   （2）偶然音乐（“不确定音乐”、“机会音乐”）。主要作曲家有：约翰·凯奇（美）、布朗（美）、施托克豪森（德）。

   （3）具体音乐（初期的电子音乐）。主要作家有：谢飞尔（法）、布列兹（美）、贝里奥（意）。

   （4）电子音乐。主要作家有：艾默特（德），施托克豪森（德），瓦列斯（美）、约翰－凯奇（美）。

   （5）磁带音乐。作家有：贝里奥（意）。

   （6）图谱音乐（反序列主义）。

   （7）电子计算机音乐。主要作家有：希勒（美）、布列兹（美）、施托克豪森（德）。

古典音乐辞典

古典乐派
　　 指欧洲十八世纪至十九世纪二十年代以古典风格为标志的作曲乐派。前古典乐派和维也纳古典乐派。海顿（1732-1809）、莫差特（1756-1791）、贝多芬（1770-1827）为维也纳古典乐派的主要代表。其特点为：崇尚理性，强调逻辑，追求形式的严谨；力图通过清晰的音乐语言及其戏剧性的展开来表现思想感情，使单纯明了的规律性的外在形式与具有现实内容的内在体验有机地结合，体现了当时提倡的新人文主义精神和启蒙运动时期理性主义的审美观点。

小步舞曲
　　"米奴哀"。一种三拍子舞曲。起源于法国民间。法文词意为"舞步很小的舞蹈"。世界舞蹈史把1650-1750年称为"小步舞时代"。用于歌剧和舞剧。后被用于组曲中，作为一个乐章。维也纳古典乐派时期，又常被用为交响曲和室内乐曲的第三乐章。其早期结构为二段式：||：8小节：||+||：8小节：||。后演变为三段式：M1（第一小步舞曲）+M2（第二小步舞曲）+M1（第一小步舞曲）。

幻想曲
　　器乐体裁的一种。十六、十七世纪时指采用复调手法写成的器乐曲。巴罗克时期指具有即兴特点的键盘乐曲。

古典音乐
　　泛指历史上具有典范意义或代表性的专业音乐创作。也指与爵士音乐等通俗音乐和民间音乐相对的西方艺术音乐。有时也专指巴罗克音乐、古典乐派（包括维也纳古典乐派）的音乐和浪漫乐派的音乐。

合奏
　　器乐演奏方式之一。指若干乐器同时演奏。按乐器种类不同可分为管弦乐合奏、弦乐合奏、管乐合奏、铜管乐合奏、口琴合奏等。多指演奏多声部乐曲。若干乐器同奏一具旋律的齐奏，有时也称合奏。

交响曲
　　器乐体裁的一种。管弦乐队演奏的大型（奏鸣曲型）套曲。源于意大利歌剧序曲，海顿时定型。基本特点为：第一乐章快板，采用奏鸣曲式；第二乐章速度徐缓，采用二部曲式或三部曲式等；第三乐章速度中庸或稍快，为小步舞曲或诙谐曲；第四乐章又称"终乐章"，速度急速，采用回旋曲式奏鸣曲式等。海顿作有交响曲一百余部，莫扎特作有五十余部，贝多芬的九部交响曲被称为交响曲的不朽之作，舒伯特作有《未完成交响曲》等八部。浪漫乐派的其他作曲家如柏辽滋、舒曼、门德尔松、勃拉姆斯、柴可夫斯基、鲍罗廷、德伏夏克、西贝柳斯、布鲁克纳、马勒等均作有著名交响曲作品。近现代的著名交响曲作曲家有奥涅格、伏昂·威廉斯、格拉祖诺夫、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、米亚斯科夫斯基、普罗科菲耶夫、萧斯塔科维奇、恰恰图良等。

协奏曲
　　音乐体裁的一种。十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称"独奏协奏曲"。海顿|、莫差特、贝多芬以及浪漫乐派的许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。另有两件相同或不同乐器与乐队竞奏的复协奏曲（或和双重协奏曲）、三件相同或不同乐器与乐队竞奏的三重协奏曲，单乐章的小协奏曲，乐队与乐队竞奏的控化的大协奏曲等。控的协奏曲多用三乐章的套曲曲式构成：第一乐章为奏鸣曲式的快板，第二乐章慢板，第三乐章快板。古典乐派及浪漫乐派的部分协奏曲的第一乐章多采用双重呈示部，先由管弦乐队演奏第一个呈示部，之后独奏乐器加入演奏，随后由独奏乐器为主演奏另一个内容不完全一样的第二个呈示部。除此外，在第一乐章和第三乐章再现部结束、结尾开始前的主和弦第二转位和弦后安插由独奏乐器演奏的华彩乐段，并用属和弦上长时值的颤音过渡至管弦乐合奏的结尾。

交响诗
　　标题音乐的一种。表现诗情画意等文学性内容的单乐章管弦乐曲。具有交响性特点。李斯特于1854年创作《塔索》时首次采用这一名称，以区别于多乐章结构的标题交响曲（Programme Symphony）。李斯特所作十余部交响诗对后来各国的音乐创作产生巨大影响。标题性序曲也常被认为具有交响诗的特征，如：贝多芬的《哀格蒙德序曲》、舒曼的《曼弗列德序曲》、柴可夫斯基的《一八一二年序曲》。十九世纪交响诗成为浪漫乐派、民族乐派主要创作体裁之一。斯美塔那、德伏夏克、柴可夫斯基、弗朗克、圣·桑、丹第、里亚朵夫、里查·施特劳斯、西贝柳斯、德彪西、杜卡、奥涅格、莱斯庇基、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、格拉祖诺夫、格什文等作曲家均作有著名的交响诗的作品。

狂想曲
　　器乐体裁的一种。指十九世纪兴起的一种曲式结构较自由的器乐体裁。多具有鲜明的民族色彩和叙事性段落，如李斯特的《匈牙利狂想曲第二首》、艾奈斯库的《罗马尼亚狂想曲第一曲》、拉威尔的《西班牙狂想曲》、格什文的《蓝色狂想曲》等。拉夫、拉罗、德伏夏克、德彪西、巴尔托克也都作有同类乐曲。

诙谐曲
　　一作"谐谑曲"。一种三拍子的器乐曲。其特点为速度轻快，节奏活跃而明确，常出现突发性的强弱对照，带有舞曲性与戏剧性的特征。十七世纪至十九世纪流传较广。贝多芬在奏鸣曲、交响曲、四重奏曲的第三乐章（有时在第二乐章）引起进诙谐曲以及代小步舞曲。曲式结构与小步舞曲相同，采用带三声部中段的三部曲式构成；但展开手法常带有动力性发展的性质，再现部分多变化。后在肖邦、勃拉姆斯的伤口中演变为独立器乐曲。肖邦所作四首钢琴诙谐曲规模较大、内容深刻；勃拉姆斯作有钢琴曲《降e小调诙谐曲》(Op.4)。诙谐曲还常与其他器乐体裁相互结合，如德伏夏克的管弦乐曲《诙谐曲·随想曲》（降D大调，Op.66），夏布里埃的《诙谐曲-圆舞曲》，普罗科菲耶夫的歌剧赞工《进行曲与诙谐曲》等。

夜曲
　　①指流行于十八世纪的一种器乐套曲，与小夜曲相似，因常于夜间露天演奏而得名。后指一种钢琴小曲，词义与下一义相同。②指一种具有*特性曲风格的钢琴小曲，爱尔兰作曲家菲尔德首创，后由肖邦进一步发展。其织体写法与无词歌相同：速度徐缓，低声部伴奏音型多采用分解和弦，高声部主旋律优雅动人，具有宁静、沉静思的纪色彩。菲尔德与肖邦均作有夜曲二十余首。德彪西所作管弦乐曲《夜曲》在内容和形式上具有特殊的风格，与传统夜曲略有不同。

轻歌剧

　　一译"小歌剧"。十八世纪指规模短小的歌剧。十九世纪为后半叶至二十世纪指突出娱乐性、喜剧性的歌剧。奥芬巴赫于1858年上演的《天堂与地狱》为轻歌剧发展史上的里程碑。在其影响下，索贝奠定了维也纳轻歌剧的基础。约翰·施特劳作有《蝙蝠》、《吉普完男爵》等轻歌剧，使维也纳轻歌剧进入了黄金时代。二十世纪初的轻歌剧代表作有莱哈尔的《快乐的寡妇》。在美国，二十世纪二十年代后期，轻歌剧为音乐剧所代替。

前奏曲
　　器乐体裁的一种。早期的前奏曲带有引子的性质，常在同一调式或调性的其他乐曲之前演奏。十七世纪和十八世纪中叶，前奏曲常与赋格组成套曲，或用作组曲的第一曲。十九世纪以后的前奏曲多无引子的功能，成为独立的具有即兴特点的中小型器乐曲，并常汇编成曲集，如肖邦所作《前奏曲二十四首》（Op.28）中的乐曲，有的具有单一动机的练习曲风格，有的具有抒情性的夜曲特征。拉赫玛尼诺夫、萧斯塔科维奇也作有同类的前奏曲集。戏剧音乐中的开场音乐或幕间音乐，有时亦称为前奏曲，如《茶花女前奏曲》等。有时也与序曲同义。

随想曲
　　音乐体裁的一种。其曲式结构较自由，带有随意性并富于生气。十六世纪指牧歌风格的多声部声乐曲和运用模仿对位等复调音乐表现手法的器乐曲，常带有标题音乐性质。十八世纪中叶起常指技巧性的器乐曲，事宜 诙谐曲与练习曲的特点，如帕格尼尼《随想曲二十四首》（Op.1）。十九世纪常指带有诙谐性、即兴性的钢琴曲与管弦乐曲，如门德尔松、勃拉姆斯的钢琴随想曲，柴可夫斯基的管弦乐曲《意大利随想曲》等。

探戈
　　舞曲的一种。起源于阿根廷的2/4拍子舞曲。后传入欧美各国。多为器乐合奏。亦有添加独唱者。速度中庸，曲式规模不大，常把同主音大小调关系的两三个主题连在一起，并用装饰性的对位旋律为主旋律助奏，伴奏声部节奏型多为（）等。在本世纪二十年代形成的"探戈标准乐队"（orques tatipica）常用人数相同的小提琴和键纽式手风琴加入一架钢琴、一把低音提琴组成。规模较大时添用吉他、单簧管、长笛、大提琴和鼓类打击乐器。人灵敏一般从六人到十多人。六人以下又称探戈重奏团，七人以上称探戈乐队。探戈多为舞蹈伴奏。亦有专供欣赏者，如阿尔贝尼斯的《探戈》。近现代著名探戈曲有《化装舞会》、《卡米尼托》等。

古典音乐入门曲目

 
（这个目录是从其他站点中摘录的，我也不清楚这是根据什么来的，不过可以参考一下） 
无论在本国或是世界上喜爱音乐的人很多，但其中喜爱古典音乐的人所占比例就不多了。古典音乐被很多人认为深奥难懂、不合时宜，年纪稍轻的人都不敢或者说是不愿意接受古典音乐。而愿意尝试接受它的少数人又不知如何开始欣赏古典音乐。

其实对待古典音乐，未必每个人都要象学者般研究它，也未必要具有高深的音乐知识（当然有也不是坏事）。只要肯尝试接触，就是非常好的开始。只要喜爱古典音乐，随着接触的时间增加，自然你就知道以后如何欣赏如何学习了。列出下列曲目，供入门者参考。这些都是著名而又容易被人接受的古典音乐作品。（按作曲家顺序）

Bach巴赫　　布兰登堡协奏曲　　无拌奏大提琴组曲

Beethoven贝多芬　第三交响乐“英雄”　第四交响乐　第五交响乐　第六交响乐“田园”
　　　　　　　　　　第七交响乐　第八交响乐　第九交响乐“合唱”
第五钢琴协奏曲“皇帝”　小提琴协奏曲　第十四钢琴奏鸣曲“月光”
第二十一钢琴奏鸣曲“华德斯坦”第十四钢琴奏鸣曲“热情”

Bizet比才 卡门选段

Brahms布拉姆斯　第四交响乐

Chopin肖邦　　波兰舞曲集

Dvorak德沃扎克　第九交响乐

Greig格里格　皮尔.金

Kreisler克莱斯勒　小品集

Mahler马勒　第一交响乐

Mozart莫扎特　第四十交响乐　第四十一交响乐　小小夜曲K525　魔笛

Orff奥夫　博伊伦之歌

Paganini帕格尼尼　24首随想曲

Rachmaninoff拉赫曼尼诺夫　第二钢琴协奏曲

Ravel拉威尔　波列路舞曲

Schubert舒伯特　第八交响乐

Smetana史密塔纳　我的祖国

Strauss（小）史特劳斯　圆舞曲集

Tchaikovsky柴可夫斯基　第四交响乐　第五交响乐　第六交响乐　第一钢琴协奏曲
小提琴协奏曲　天鹅湖选段　胡桃夹子选段

Verdi威尔第　茶花女

Vivaldi维瓦尔第　四季协奏曲

认识乐曲

认识一首乐曲，可以从下面几个方面入手：
【1】了解乐曲的背景；
【2】观察音乐的主题，包括他的长度、音程、节奏形态及它是何种方式被发展的；
【3】认识音符的高低与长短，研究主要的节奏特色；
【4】观察音乐的分句、连音、段奏、装饰音......各种记号；
【5】找寻主旋律外隐密的线条和应答的乐句；
【6】了解表情记号的含义；
【7】观察乐句高点及音乐结构的密度；
【8】指法的确定，必须左右手分开来决定，除非遇有右手互换的乐段，必须双手一起决定。


印象乐派
“牧神的午后”（德彪西，１８９２）可代表印象乐派的开始，而拉威尔的钢琴小奏鸣曲与弦乐四重奏是与其形式一致的，自由形式的使用（例如德彪西的前奏曲与“海”）是印象乐派的最大特性。虽然在旋律的意义上，这是非对位的，但在节奏的意义上，它却有着巧妙的对位用法。不对称的节奏与曲调形式的采用，而终止式往往避免或使用模糊不清。音乐成为结构与联系二者的重要因素。


和声
是将许多音结成垂直配置，以及依照某些原则处理这些和弦的科学与艺术。文艺复兴时代的和声是调式三和弦；１６００年至１９００年间的和声是调性三和弦二十世纪的和声可能是无调性、多调性、新调式或非三和弦的。和声体系的有无乃是西方音乐和东方音乐的最大差异。


序曲
他是一种器乐的作品，用作歌剧、神剧、舞剧或戏剧，或用作加上标题的单乐音协奏曲作品的导奏。虽然从巴洛克时代初期以来，这个名称就被含糊地采用，但却可区分如下的类型：（１）意大利序曲（２）法国序曲（３）奏鸣曲棗快板序曲（４）混合的序曲（５）自由形式的序曲或前奏曲。

浅谈简谱 

 
简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便，因此在我国广泛流传。 

简谱有它的优点，但也有它的缺点。例如记合奏合唱，它就不象五线谱在视觉上那么清楚，而记钢琴谱几乎是不可能的。过去有人认为简谱简单、不科学，因而否定了简谱在现实音乐生活中的重要作用，那是错误的。应该承认：简谱对音乐的普及和推广，作出了重大的贡献。在今后相当长的时期内，简谱将会继续发挥它的积极作用，为社会主义文化事业服务。 

简谱的创造和发展过程，因为缺乏有关的材料，还不能作准确的介绍。法国的加林（1786-1821）和舍维（1804-1864）；英国的格兰威尔（1785-1867）和葛尔文（1816-1880），在简谱体系方面，都曾作过研究和整理。我国的简谱是由日本传来的。这种体系与舍维的体系已有所不同。按照舍维体系，八分音符和十六分音符的短线，都加在音符的上方。 

然而日本的简谱到了我国，特别是解放后十年来，又起了许多变化和发展，现在只将现行的简谱作如下的简单介绍。 

在简谱体系中，音的相对高度暖和七个阿拉伯数字来表示的。这几个音的相互关系，除3 4、7 i 半音外，其他全为全音。 

标记：1 2 3 4 5 6 7 i 

唱法：do ri mi fa sol la si do 

在音符的上面加一小圆点，即表示高八度演唱，加两个圆点表示高两个八度；反之，在下面加一个圆点，即表示低八度演唱，加两个圆点表示低两个八度。 

要准确地表示音的绝对高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。 

为了避免在音符的上面或下面过多的加点，在合唱、合奏谱中，往往应用移高或移低八度的方法来记低声部或高声部。例如：男高音、男低音、琵琶、低胡用高八度记谱；梆笛、板胡用低八度记谱等便是。 

音的长短是在音符后面或下面加短横线来表示的。 

在简谱体系中也应用附点。但只到四分音符为止；再长的音符，如二分音符、全音符则继续用增加短横线来表示。 

附点全音符： 1- - - - - 

附点二分音符： 1- - 

附点四分音符： 1. 

附点八分音符： 1. 

附点十六分音符：1. 

表示音的休止的基本符号是0。为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目、在0的右面加附点来标记。通常所用的休止符如下： 

全休止符： 0 0 0 0 附点全休止符： 0 0 0 0 0 0 

二分休止符：0 0 附点二分休止符： 0 0 0 

四分休止符：0 附点四分休止符： 0. 

八分休止符：0 附点八分休止符： 0. 

十六分休止符：0 附点十六分休止符：0. 

三十二分休止符：0（下加三横线） 附点三十二分休止符：0（下加三横线） 

长达数小节的休止，可用长休止号。写在小节内，上面的数目字表示休止小节的数目。 

仅有长度而无一定高度的音，用X记号来表示，音的长短则用在X后面或下面加短横线来标记。 

在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。 

简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。 

速度标记和表情术语记在第一行乐谱开始处的上面。 

在多声部的记谱中，小节线多半是分开的，各声部单独记写。但有的器乐曲的小节线是按照乐器的分组连起来的。不论是分开或不分开，各声部的小节线一定要上下对齐。 

记谱时要注意音符的空间距离，使小节与小节，拍与拍的距离大致相等，一拍之内音符少的要写松一些；音符多的要写紧一些。少于四分音符的各种音符，低音点要记在短横线下面。 

简谱体系中音值组合法的规则，基本上与五线谱相同。只是在复拍子中不用代表整小节的一个音符，而用连线把音符按单拍子分组后连结起来。 

休止符的组合法和上面所谈情况相同，当然不必再用连线。 

连音记号记在音符的上面，用开口的括弧加上表示连音的数目字来标记。 

简谱中的移调非常简单，只要把调号改动一下便可以了。例如C大调的乐曲要移高大二度时，只要把1=C改成1=D便完成了。 

简谱中变音记号只用升（#）、降（b）和还原三种，重升（×）、重降（bb）是不用的。 

在简谱体系中，较长的确定的转调，不用临时变音记号，而用转调后的调号来标明。 

五线谱中所用的装饰音记号、省略记号、力度记号、速度记号基本上都适用于简谱。 

为了避免代表断音的圆点和高音点相混，在简谱中断音用▽或▼来表示。 

短倚音用小的十六分音符或十八音符标记，写在主要音的左上方或右上方，并用连线与被装饰的主要音相连。 

前奏、过门、尾声和五线谱一样，用小音符标记，有的也用括弧括起来。 

记写和弦时，音符下面的短横线，仅在最低音下记出。 

关于简谱的记谱法，目前还没有一个较完整的体系，以上所谈的仅是简谱中一般最普通的知识，是很不全面的。 

听音乐会应该何时鼓掌 

 
相信这个问题对很多刚刚接触古典音乐的朋友来说，是一个很头痛的问题。其实要解决这个问题，有一个既简单又保险的方法，那就是：等到别人鼓掌的时候再鼓掌。 

当然，这只是一时的权宜之计，要想真正地解决这个问题，我们还需要了解一些关于古典音乐的小知识。 

一般说来，鼓掌的恰当时机应该是在整首乐曲结束时，而不是各乐章的间歇中。所以我们应该知道不同类型的乐曲通常由几个乐章组成。 

1 协奏曲（Concerto）由一件独奏乐器或一组乐器在乐队伴奏下进行演奏的乐曲。音乐会上经常演出的有柴可夫斯基钢琴协奏曲、门德尔松小提琴协奏曲以及中国的小提琴协奏曲梁祝和钢琴协奏曲黄河等。在西方古典音乐中，协奏曲通常由三个乐章组成，每个乐章之间有短暂的间歇（千万不要在这里鼓掌，这样会破坏音乐的气氛，同时别人也会觉得你很老土），三个乐章的速度分别为快—慢—快。 

2 交响乐（Symphony）为管弦乐队而做的，构思宏伟复杂的管弦乐作品。一部交响乐通常由四个乐章组成，各乐章之间形成情绪和速度上的对比，一般结构为快—慢—舞曲节奏－快。脍炙人口的作品有贝多芬第五交响乐（命运）、德沃夏克第九交响乐（自新大陆）等。 

3 小型乐曲（Piece）耳熟能详的乐曲都属于这个范畴，例如拉德斯基进行曲、雷电波尔卡、春节序曲等等，这类乐曲的特点是短小精悍、一气呵成，中间没有间歇。 

如果知道一首曲子包括几个乐章，并对每个乐章的“风格”都有一个概念的话，我们就会知道曲子什么时候结束以及什么时候该鼓掌了！ 
特别提示：并不是所有的协奏曲、交响乐结构都一样，比如著名的小提琴协奏曲梁祝是不分乐章的，贝多芬第五交响乐的三、四乐章之间也是没有间歇的等等，请大家注意！