西方艺术史学批评(一)2-资讯-雅昌艺术网—中国艺术门户网站

作者：王瑞芸　　　 2009-07-02 15:54:21 　　 来源 ：雅昌艺术网专稿
面对这个事实，眼下我们无需做任何判断--把艺术品从生活物品中区别出来，究竟是好或是不好，我们只需知道，“艺术”的出现起于“分别”，就够了。
建立“艺术”的最初的理由，就是起于分别，把脑和手区别看待。我们回溯到西方开始动念头产生“艺术”的那个时期(14世纪)，马上可以看到，绘画和雕塑被视为艺术，是因为其中动脑的因素开始渐渐显著，人们乐意把动脑的活儿和动手的活儿区别对待。
在文艺复兴之前，绘画在西方一直是一种手工艺，它服从的是手工艺的方式：作坊生产、师徒制度、代代相传相守的技术和对特殊材料的运用。那时训练一个画家，完全是训练一个手工艺人。通常绘画的学徒在十多岁就进入师傅开的店铺当助手，要学习七到八年时间， 然后满师， 可以独立完成绘画定件了。当然，这样刚出道的新师傅只能接较小的，一两天内完成的活儿，长时间的大活儿仍由老师傅亲自接手。由于有师徒制度，合作成为手工艺人的生存基础，由此发展出行会的组织。行会内部通常有一套自己的对工具和材料的运用方式，还会产生某种典型的绘图格式，比如圣母和圣婴图的特别画法，借助这类特别的格式，属于该行会的成员就可以把这类题材画得又快又好。因此行会中发展起来的技术是垄断的，保密的。在很长的历史时期，绘画和雕塑就存在于这样的状态中。它们就是手艺，做的人都是工匠。
从15世纪甚至更早些时候开始，首先是意大利人，对古代的绘画雕塑样式产生了好奇，进而发展出热情，去模仿追随，要把绘画雕塑从陈式的，图解的，平面的方式中改造成像古典艺术那样写实的样式。这个追求使得意大利画家面临许多新的挑战，比如“线性透视”的发现和运用，对于光阴的模拟和再现，对于画面前后层次的安排，对于人体解剖的研究……所有这些新问题新方法让意大利艺术家一代代前赴后继地投入解决，他们从逐步解决问题的过程中发展出一套根本近于科学的绘画技法。实在说，像线性透视的法则，的确成了一种以理论性为基础的“科学”，可以象数学一样公开传授，这一来，绘画的法则也像科学一样，具备了明确的进步过程和理念。在这种变化前，人们就要重新给绘画定义了。
在意大利人切尼偌·切尼尼在1437年写成一本叫做《手工艺者手册》的书，就提出要提升绘画的地位了，其中是这样说的：“万能的上帝创造了天空和大地……创造了男人和女人，(当夏娃受诱惑吃了禁果之后，人类就需要靠自己的劳动生存了) 由此，亚当开始用铁锹耕地，夏娃开始纺织。随后，人类探寻出了许多彼此不同的赖以生存的职业。在这些职业中，无论是过去还是现在，总有一部份较之其他的职业更具有理论性;这些职业彼此差别，因为理论是其中最为高贵的。与此相近，人们继续创造出相关的职业，它要求以理论为基础，同时具备一双灵巧的双手，这就是一门叫做绘画的职业……这门职业应该排在戴着诗歌王冠的理论宝座的旁边。”【2】
希望提升绘画地位，在那个时代成为一种普遍的看法。比如达芬奇，就把画家的身份看成两种：一是将画家看成用手工作的人--工匠，另一是把画家看成用头脑工作的人--接近科学家。 米开朗基罗乾脆直接声称他是用大脑而不是用双手来做雕塑的。显然的，大脑的工作远比手的工作重要而且高贵。只要承认画家雕塑家是用脑工作的，这必然赋予了绘画和画家更高的威望和荣誉。
事实上，在建立和完善写实绘画的体系时，用脑的成份是越来越多，我们可以明显地在当时的实践中看到这种清晰的转变。比如，尽管切尼尼在15世纪的上半叶呼吁提高绘画的地位，但在他的《手工艺者手册》中，大部份内容依然是关于手的技术：一张画或一件雕塑如何起步制作，怎样确定大小、如何标线、绘制、修饰，如何铺上织物、使用石膏、刮石膏和磨光石膏、用石膏定小稿，放置树干、镀金、磨光金属、盖章或打孔。可是到了达芬奇的时代(15世纪末和16世纪)，当他建议该给画家制定一套教学体系时，设计的核心课程是透视研究，比例的理论与实践，这些就已经是科学的知识。他还说，“如果某位艺术家要想在表现缩短透视、浮雕和运动的这些绘画的荣耀上取得成功，他就应该不服从他的客户，而应该听从最好的艺术家的批评。”【3】达芬奇的这个观念，不仅帮助画家摆脱身上的手工艺人气味，甚至已经差不多接近现代艺术家的创作立场了。
通过这样一个简单的描述，读者大概可以看到，当时在意大利，绘画由手艺被加冕成“艺术”的基本情形。这个转化过程有两三百年之久，这样长的跨度，“艺术”作为特殊身份的事物越来越明朗，它的生长发展过程也积累到足够被描述的程度，于是艺术史登场了。艺术史刚上场时，是个小个头的家伙，身上能负载的东西非常有限，有限到只有一种东西--古典美。(非洲木勺和圣经插图是到很晚的时候才添上去的)。